Au musée de la Maison Rembrandt, des peintures, dessins, gravures et livres raconteront l'histoire de la vie et de l'œuvre de Samuel van Hoogstraten, dans une présentation mixte. L'exposition s'ouvrira sur le jeune Van Hoogstraten, qui débute sous la direction de son père à La Haye, découvre l'enseignement de Rembrandt et s'imprègne des leçons esthétiques et théoriques du maître jusqu'à formuler sa propre vision de l'art de peindre.

Pour la première fois, le Kunsthistorisches Museum de Vienne consacre une exposition à Rembrandt et a choisi de présenter le maître du point de vue de son important élève Samuel van Hoogstraten (1627-1678). Dans ses propres écrits, Van Hoogstraten revient sur sa période d'élève dans l'atelier de Rembrandt et nous donne un aperçu unique de l'œuvre du maître, des pratiques de l'atelier, des méthodes de formation et de la théorie de l'art.

L'exposition offre de nouvelles perspectives sur l'œuvre de Rembrandt, en explorant les thèmes, les compositions et les caractéristiques de manipulation du maître du point de vue de la critique d'art contemporaine. Elle présente également, pour la première fois dans ce contexte, le travail de Samuel van Hoogstraten, l'élève éclectique de Rembrandt.

Le Palais Lumière présente une sélection de cent peintures, aquarelles et dessins issus en grande partie de la donation faite par Ziem en 1905 au Petit Palais, musée des Beaux-Arts de la Ville de Paris. Préoccupé au soir de sa vie par la pérennité de son œuvre, Ziem avait réuni un ensemble significatif de peintures et d’aquarelles pour en faire don à ce tout jeune musée. Cet ensemble provenant du fonds d’atelier accorde une place importante aux esquisses et révèle une part plus secrète de ce peintre dont la production pléthorique a fini par gâter la spontanéité. Le peintre est ici évoqué à partir des lieux qui inspirèrent sa quête d’une nature idéale, indifférent à la grande vague réaliste qui vint bouleverser l’art du paysage dans la deuxième moitié du XIXe siècle.

Le dessin italien ancien et moderne est au coeur de l’exposition Disegno disegni avec des oeuvres de Guerchin, Novelli, Piola, Tiepolo ou encore Zuccari,Dans le sillage du legs de René de Cérenville en 1968, qui faisait la part belle à la création graphique de la Péninsule, les fonds italiens du Musée Jenisch Vevey n’ont cessé de s’enrichir au fil des années, constituant aujourd’hui l’un des noyaux essentiels du patrimoine veveysan. Plus de 100 feuilles issues d’une collection particulière déposée au musée depuis 2003 sont mises en lumière pour l’occasion, dans un dialogue fécond avec les propres fonds de l’institution.

Après « Paris Romantique (1815-1858) » et « Paris 1900, la Ville spectacle », le Petit Palais consacre le dernier volet de sa trilogie au « Paris de la modernité ».

Tout au long du premier quart du XXe siècle, Paris continue plus que jamais d’attirer les artistes venus du monde entier et constitue le foyer d’un formidable rayonnement culturel. Paris est au cœur de l’innovation et de « ce qui se fait ». L’exposition illustrera comment Paris a réussi une fois de plus à maintenir cette position dans les premières décennies du XXe siècle en dépit de la recomposition de l’échiquier international.

À travers la mode, le cinéma, la photographie, la peinture, la sculpture, le dessin, mais aussi la danse, le design, l’architecture et l’industrie incarnant cette modernité à l’œuvre, l’exposition donne ainsi à vivre et voir la folle créativité de ces 1905-1925 ; période où Paris brille d’une aura artistique et culturelle, qui continue aujourd’hui de nous éblouir.

À l'occasion de ce qui aurait été le 250e anniversaire de Caspar David Friedrich (né en 1774 à Greifswald – décédé en 1840 à Dresde), la Hamburger Kunsthalle présente l'exposition anniversaire Caspar David Friedrich, Art for a New Age. Au centre de l'exposition la plus complète consacrée au plus grand artiste du romantisme allemand, depuis de nombreuses années, se trouve une rétrospective thématique comprenant plus de 60 peintures, parmi lesquelles un certain nombre d'œuvres clés emblématiques, ainsi qu'une centaine de dessins et d'œuvres sélectionnées des amis artistes de Friedrich. 

Le musée des Beaux-Arts d’Orléans continue son exploration des grandes collections privées d’aujourd’hui en invitant Véronique et Louis-Antoine Prat à célébrer les cinquante ans de leur première acquisition.
Cette collection de dessins français, parmi les plus prestigieuses aujourd’hui en mains privées, a fait le tour du monde. Depuis 1974 le couple d’amateurs s’attache à rassembler des feuilles d’exception des plus grands maîtres – Poussin, Watteau, Boucher, Fragonard, David, Ingres… – comme d’artistes plus confidentiels mais toujours à un haut degré d’excellence.

L'Hôtel de Caumont consacre cette année son exposition d’hiver au grand maître de l’Art Nouveau, Alphonse Mucha (1860-1939). Cet artiste prolifique et visionnaire a révolutionné le rapport à l’art de ses contemporains en appliquant son esthétique, si caractéristique, à de multiples domaines comme les affiches, la publicité, la décoration intérieure ou encore le théâtre de la Belle Époque. À travers près de 120 œuvres provenant de la Fondation Mucha, cette exposition met en lumière toute la splendeur et l’évolution du style de Mucha où mysticisme, symbolisme, identité slave et beauté se côtoient.

Le château de Versailles met à l'honneur Horace Vernet  (1789 -1863), avec une exposition rétrospective, pour cette occasion, plus de 200 œuvres sont réunies, dont certains chefs-d'œuvre inédits, des dessins et des esquisses qui nous dévoilent le procédé de création de l'artiste.  

Peintre prolixe, encensé ou conspué par la critique, Horace Vernet n’a pas laissé ses contemporains indifférents. Cette rétrospective montre la richesse de ses sujets de prédilection, révélant son amour pour les chevaux et la chasse, son attachement à l’épopée napoléonienne, son goût pour la littérature romantique et Lord Byron, ou encore pour la mise en scène de ses origines familiales.

Cette exposition présentera une centaine de peintures et d'œuvres sur papier par Amedeo Modigliani (1884-1920) en les rapprochant d'œuvres de son entourage à Paris ainsi que de Gustav Klimt, Egon Schiele et Wilhelm Lehmbruck. Des parallèles étonnants deviennent visibles, ainsi que la nature exceptionnelle de l'art de Modigliani. L'exposition aura lieu en collaboration avec le Musée Barberini, où elle sera ensuite présentée du 26 avril 2024 au 18 août 2024.

Sous titrée "Enquête sur les femmes artistes du musée", cette exposition se consacre aux œuvres du Palais des Beaux-Arts de Lille créées par des artistes femmes qui n’ont pas eu l’opportunité d’être exposées et traitées à leur juste valeur jusqu’alors.
Composé d’une centaine d’œuvres, le parcours retracera les trajectoires variées de ces créatrices, dont le travail couvre une période allant du 17e siècle à nos jours.
Le choix de mettre en lumière des peintures, des sculptures ou encore des dessins réalisés par des femmes s’inscrit dans une démarche plus globale de se saisir de la problématique générale de leur invisibilisation dans les arts. 
À l’issue de l’exposition, le parcours permanent se verra enrichi d’un certain nombre de ces œuvres d’artistes femmes présentées, pour la plupart, au public pour la première fois.

Avec dans ses collections deux des chefs-d'œuvre incontestés de cet artiste, la National Gallery de Londres se fait un honneur d'organiser la première exposition rétrospective consacrée à Francesco Pesellino (c.1422–1457), peintre très demandé en son temps par la cour de Florence, bien que mort à seulement 35 ans. Entre l'inspiration qu'il trouva chez Fra Angelico (1395-1455) et l'influence de son maître, Fra Filippo Lipi (1406-1469), Pesellino mérite d'être étudié de plus près afin de mettre en lumière son propre style et de préciser le corpus de ses œuvres, grâce à des prêts d'autres institutions.

Rassemblant les œuvres sur papier des plus grands noms de l'Impressionnisme et du Post-Impressionnisme (Degas, Cézanne, Renoir, Van Gogh, parmi d'autres), cette exposition permettra de découvrir la façon dont le dessin est véritablement devenu un art à part entière à cette époque, ouvrant de nouvelles perspectives qui ont mené notamment vers l'Expressionnisme abstrait.

La Hamburger Kunsthalle expose certaines des plus belles œuvres provenant de deux collections privées hambourgeoises consacrées à l'art du XIXe siècle et qui se complètent idéalement. Une centaine de dessins, d'aquarelles, de pastels et de petits tableaux - dont plusieurs études à l'huile - datant de la fin du XVIIIe siècle au début du XXe siècle seront exposés avec, notamment, des artistes tels que Carl Gustav Carus, Johan Christian Dahl, Simon Denis, François-Marius Granet, Giovanni Domenico Tiepolo, Pierre-Henri de Valenciennes ainsi que Berthe Morisot et Edouard Vuillard.

L'exposition que présente le Lenbachhaus à Joseph Mallord William Turner (1775-1851) s'incrit dans le programme du musée de montrer les origines et l'évolution de l'abstraction au fil des siècles. En partenariat avec la Tate Britain, qui conserve une grande partie de l'héritage de Turner, cette rétrospective de près de 40 tableaux et d'une quarantaine d'aquarelles et esquisses permettra également de saisir la façon dont Turner a lui-même façonné le mythe autour de sa peinture, que ce soit lors d'événements publics ou bien dans le secret de son atelier.

Le musée Marmottan Monet présente l’exposition « Berthe Morisot et le XVIIIe siècle. Watteau, Boucher, Fragonard, Perronneau ».
Si l’impressionniste Berthe Morisot (1841-1895) a toujours été une peintre de la vie moderne, son art a, de son vivant, souvent été comparé au travail des artistes français du XVIIIe siècle, poussant Renoir à la qualifier de « dernière artiste élégante et «féminine» que nous ayons eu depuis Fragonard ». En parcourant sa rétrospective posthume de 1896, Paul Girard commenta ainsi « C’est le XVIIIe siècle modernisé ». L’exposition se propose de rechercher l’origine de cette inspiration, de montrer, à l’appui d’œuvres du XVIIIe siècle, confrontées à ses propres œuvres emblématiques de l’Impressionnisme, les manifestations et la forme de son imprégnation et de sa compréhension du génie du siècle des Lumières.

Le Polyptyque possède une huile sur toile de cette artiste, intitulée Rivière au Bois de Boulogne (1886).

Le Palazzo Reale de Milan accueille l'exposition ''Goya. La rébellion de la raison'', une occasion importante de découvrir l'ensemble de la carrière artistique du maître espagnol qui s'est développée sur une longue période historique, saturée de changements et d'événements politiques, sociaux et idéologiques qui ont donné naissance à une nouvelle ère de l'Histoire. Goya a vécu la fin de l'Ancien Régime, l'époque des Lumières et de la Révolution française, les guerres napoléoniennes, la restauration absolutiste et l'exil.

L'artiste ne s'est pas contenté de représenter cette époque mouvementée : il a lui-même vécu une révolution picturale en phase avec la complexité historique qu'il a vécue, un changement qu'il a exprimé par l'image. À travers les sept sections thématiques de l'exposition, il sera possible de découvrir comment l'artiste a su transformer la peinture en un langage révolutionnaire, capable de rompre aussi bien avec les règles et les systèmes plastiques établis qu'avec l'imitation des modèles. La peinture des années de maturité de Goya est une peinture sans modèle, c'est l'expression intime et inédite d'un artiste qui crée de l'art tout en le révolutionnant avec un nouveau langage.

Dessinateur et graveur des dernières années du Grand siècle, Claude Gillot tient une part de sa réputation à la fantaisie et à l’originalité de ses oeuvres, préfigurant la liberté de ton et de moeurs de la Régence.
Parodies paillardes, scènes de sorcellerie, arlequinades et improvisations de foire font avant tout de lui un artiste de la satire, de la comédie et des arts du spectacle. Ses innombrables dessins, recherchés des collectionneurs, témoignent  d’une intense activité dans une large variété de domaines, dans l’illustration, au théâtre et à l’opéra, pour le costume et pour le décor.
Au coeur de son oeuvre, Gillot affiche un attrait pour le comique de la Comédie italienne, avec ses pantomimes, ses acrobaties et ses figures travesties. Costumier et décorateur pour l’Opéra, l’artiste est aussi ornemaniste, collaborant avec Claude III Audran pour des intérieurs privés, renouvelant alors le répertoire ornemental de l’arabesque.

Après la Tate Modern de Londres, le Kunstmuseum de La Haye présente cette grande exposition mettant en parallèle les rapports à l'abstraction qu'ont développés, sans jamais se rencontrer, deux grandes figures du début du XXème siècle, la peintre suédoise Hilma af Klint (1862-1944) et le hollandais Piet Mondrian (1872-1944). Au moment où le progès scientifique a permis une étude toujours plus précise de la nature, la relation entre ces peintres et le monde naturel, voire spirituel, a évolué vers l'abstraction. Six thèmes principaux jalonneront le parcours de l'exposition : la peinture de paysages, l'évolution, les fleurs, les arbres, l'univers et la relation à l'espace.

La Régence commence officiellement le 2 septembre 1715, à la mort de Louis XIV, par un véritable coup d'Etat. Sous le gouvernement du Régent, Philippe d'Orléans, Paris change : le jeune Louis XV quitte Versailles et s'installe à Paris, au palais des Tuileries, où il demeure jusqu'en juin 1722. Le Régent, lui, s'installe au Palais-Royal où, entre mécénat éclairé et intrigues politiques, il transforme la ville en capitale.
Cette exposition présente, avec une grande acuité historique, les mutations socio-économiques, culturelles et esthétiques à l'oeuvre. Le développement de nouvelles sociabilités, notamment féminines, les heurts retentissants d'une criminalité violente, une spéculation financière sans précédent, le triomphe du théâtre et de l'opéra, ou encore les nouveautés des comptoirs commerciaux et du luxe - dont l'élite marchande est représentée par la célèbre Enseigne peinte par Watteau et les débuts d'une extraordinaire esthétique rocaille - rendent compte d'une modernité plurielle. Rappelons qu'on compte une oeuvre représentative de cette époque dans les collections du Polyptyque, : un très beau dessin de Watteau
 

«Rare et indispensable» se propose de nous emmener dans une promenade artistique et historique le long de plusieurs chefs-d'œuvre des collections flamandes. Parmi eux, Magritte, Bacon, Ensor, Moore, Jordaens, Rubens... Quelque 35 musées, grands et petits, ainsi que des églises, des bibliothèques et des collectionneurs privés prêtent temporairement des œuvres de leurs collections. Il s'agit dans tous les cas d'œuvres inscrites sur la liste des chefs-d'œuvre flamands depuis 2003. Ce décret garantit que les chefs-d'œuvre qui répondent aux critères 'rares et indispensables' ne peuvent pas simplement quitter la Flandre et qu'ils sont protégés et conservés le mieux possible.

Avec Albrecht Dürer, Hans Holbein l'Ancien et Hans Burgkmair l'Ancien sont considérés comme les pionniers d'un nouvel art : précisément, la peinture de la Renaissance. Le centre de cet art était la métropole impériale et commerciale d'Augsbourg, qui devint en quelques décennies la capitale de la Renaissance allemande et internationale. Avec les œuvres de Hans Holbein le Jeune, l'art d'Augsbourg est enfin connu dans toute l'Europe. À partir de cet automne, le Städel Museum consacre une grande exposition à ce tournant de l'histoire de l'art, réunissant des prêts exceptionnels des plus grands musées européens. Pour la première fois depuis plus de dix ans, l'œuvre majeure de Hans Holbein le Jeune, la "Madone de Jakob Meyer zum Hasen" (1526-1528, collection Würth, Künzelsau), sera exposée de nouveau à Francfort.

Dans cette exposition entièrement consacrée aux arts graphiques, le musée Plantin-Moretus présente les 80 plus beaux dessins de maîtres anciens des XVI et XVIIe siècles issus des collections flamandes. Plusieurs n'ont jamais été montrés au public auparavant, notamment le Panorama de Zélande, mesurant près de 10 mètres de long, créé par Antoon van den Wijngaerde (1525-1571), ainsi que les rarissimes carnets de croquis italiens du sculpteur Pieter Verbruggen (1615-1686) et un dessin d'illustration récemment découvert, réalisé par Rubens précisément pour la presse de la famille Plantin.

Le Kunstverein de Brême fête son 200e anniversaire avec des chefs-d'œuvre de la peinture française. L'accent est mis sur une période particulièrement faste du début du XXe siècle, lorsque le directeur de la Kunsthalle, Gustav Pauli, en a fait l'un des principaux musées d'art moderne d'Allemagne. Il a été soutenu par de grands collectionneurs de Brême qui seront reconnus pour la première fois.

La Galerie Borghèse accueillera l'exposition "Pygmalion's touch. Rubens et la sculpture à Rome" consacrée à la façon dont les influences du voyage de Rubens en Italie dans la première décennie du XVIIe siècle prennent une nouvelle vigueur décisive dans les années qui suivent le retour dans sa patrie, grâce aussi aux séjours en Italie de ses élèves flamands. Le projet vise à souligner l'extraordinaire contribution de l'artiste, au véritable début du baroque, à une nouvelle conception de l'antique, du naturel et de l'imitation, en se concentrant sur la nouveauté perturbatrice de son style dans sa première décennie à Rome et sur la façon dont l'étude des modèles peut être comprise comme un nouvel élan vers un nouveau monde d'images.

Le site exceptionnel de la Galleria Borghese offre également une opportunité sans précédent de voir les grands groupes du Bernin, la statuaire antique et d'autres sculptures modernes, en relation directe avec les peintures et les dessins de Rubens, capturant l'énergie avec laquelle l'artiste a questionnée et reproduit les chefs-d'œuvre de l'antiquité.

Le château de Fontainebleau expose plus de 250 œuvres, dessins (encre, fusain, aquarelle, gouache) gravures, albums issus de ses collections, tant du fonds des archives que du fonds d’arts graphiques. Ces œuvres, accompagnées de deux maquettes du château, mettront en lumière son architectureau fil des siècles et constitueront un véritable portrait dessiné de la demeure des rois. L’exposition soulignera l’importance du dessin, ses conventions et les usages des documents produits (gestion du palais, délimitation cadastrale, projets de transformation ou de restauration, souvenir, illustration…).

Foyer de création, Fontainebleau devient une référence pour les artistes au XIXe siècle. Architectes, peintres, dessinateurs et sculpteurs, parmi lesquels Delacroix, s’attachent au motif. Mais au delà de l’étude, le château passe de sujet à acteur, servant la scénographie des grands événements de la monarchie française ou du Premier et Second Empires, depuis le baptême de Louis XIII, les cérémonies de l’Ordre du Saint-Esprit, l’abdication de Napoléon Ier, les réceptions des princesses… sans oublier la chasse, les feux d’artifices et le théâtre, dont plusieurs dessins conservent le souvenir.

Enfant de la génération romantique bercé de rêves troubadours, admirateur de Delacroix et de Chassériau, Gustave Moreau étanche très tôt sa soif d’onirisme aux sources du Moyen Âge. Comme en témoignent ses dernières œuvres, cette période, parfois perçue comme un âge d’or, fut pour son inspiration un puissant catalyseur. Cette exposition vient donc à point nommé questionner l’attrait de Moreau pour un Moyen Âge protéiforme. En plein chantier de reconstruction de Notre-Dame de Paris par Viollet-le-Duc, cette époque le nourrit à la fois par son iconographie (chevaliers, licornes, chimères rencontrés au hasard des salles du Louvre ou des pages des manuscrits de la Bibliothèque impériale), mais l’inspire aussi à travers la lecture de Shakespeare, Walter Scott ou encore Victor Hugo. C’est donc bien à la découverte des visions médiévales de l’artiste que nous convie le musée Gustave Moreau, un Moyen Âge syncrétique qui nous révèle en filigrane la sensibilité et les rêves de l’artiste.

Botticelli Drawings est la première exposition jamais consacrée aux dessins de l'artiste de la Renaissance Sandro Botticelli (vers 1445 – 1510). Explorant le rôle fondamental joué par le dessin dans l'œuvre de Botticelli, l'exposition retrace son parcours artistique, depuis ses études auprès de Fra Filippo Lippi (vers 1406 – 1469) jusqu'à la direction de son propre atelier à Florence. Présentant des œuvres rarement vues et nouvellement attribuées, l'exposition donne un aperçu de la pratique du dessin d'un artiste dont le nom est synonyme de la Renaissance italienne. 

En environ 130 tableaux et œuvres sur papier, l’exposition retracera le parcours de Suzanne Valadon : elle soulignera l’originalité de son œuvre tout en la resituant au sein d’une histoire de l’art qui a fait peu de cas de cette artiste audacieuse refusant d’être assignée à un mouvement. Ce regard historique porté sur l’artiste et son travail sera complété d’importants éléments de contextualisation sur ce que signifiait être femme et artiste au début du 20e siècle.

Selon un parcours chrono-thématique, l’exposition retrace la carrière de Steinlen et donne un aperçu de la richesse de sa production à travers une sélection d’une centaine d’œuvres, dont une grande proportion de peintures à l’huile, moins connues que son œuvre graphique, largement représentée également dans l’exposition, ainsi que des sculptures. Suivant le fil conducteur de l’art social, le parcours est organisé en trois principaux mouvements : Montmartre et le Chat Noir ; le peuple comme sujet et but de l’art ; enfin, entre peinture d’histoire et nus intimes, le rapport aux genres classiques de l’histoire de l’art, toujours au service d’une vision politique de l’art.

L'exposition est consacrée aux innovations révolutionnaires de la peinture vénitienne de la Renaissance, dont les effets durables ont continué à résonner jusque dans le modernisme européen. Il présente 15 chefs-d'œuvre de la collection munichoise et environ 70 prêts internationaux, en se concentrant sur des portraits et des paysages de la première moitié du XVIe siècle comme exemples les plus éloquents des caractéristiques et des réalisations de l'école vénitienne florissante

Cette exposition sera la première consacrée aux œuvres produites par Vincent van Gogh (1853-1890) durant les deux derniers mois de sa vie, à Auvers-sur-Oise, près de Paris. L’exposition constitue l’aboutissement d’années de recherches sur cette phase cruciale de la vie de l’artiste, et permettra au public de l’apprécier enfin à sa juste dimension.

L'exposition, qui bénéficie de prêts internationaux prestigieux, est l'occasion de présenter l'œuvre de l'artiste crétois à la lumière des dernières recherches sur son œuvre : El Greco propose en effet une réflexion historique et critique profonde et innovante, dont les points forts sont constitués de la reconsidération minutieuse de l'impact des modèles italiens dans la formation de l'artiste et de la proposition d'une interprétation des résultats de la dernière période tolédoise de l'activité du Greco en termes de récupération consciente d'une approche compositionnelle largement byzantine. 

À travers une vaste sélection d'œuvres particulièrement significatives provenant de collections italiennes et internationales, l'exposition rétrospective du Palazzo Reale, réalisée avec la collaboration scientifique du Museo Morandi de Bologne, mettra en évidence le processus mental et l'itinéraire créatif de Morandi, en offrant au public la possibilité de comprendre la profondeur de sa peinture, le pouvoir énigmatique de ses toiles et, en accord avec l'objectif de recherche qu'il s'est fixé, sa capacité à "toucher le fond, l'essence des choses".

Première grande exposition de peintures de Bonnard au Texas depuis près de quarante ans, Bonnard's Worlds explore les domaines sensoriels de l'expérience qui ont alimenté la pratique créative du peintre, des espaces les plus publics aux plus privés. Réunissant soixante-dix des plus belles peintures de Bonnard, réalisées au cours de sa carrière, l'exposition comprend certaines des œuvres les plus célèbres de l'artiste provenant de musées d'Europe et des États-Unis, ainsi que de nombreuses œuvres méconnues du public provenant de collections privées du monde entier. Régie ni par la chronologie ni par la géographie, mais par des mesures d'intimité, l'exposition transporte les visiteurs des royaumes plus vastes dans lesquels Bonnard a vécu jusqu'aux espaces intérieurs les plus privés de ses habitations et de ses pensées. 
Rappelons que Le Polyptyque possède une oeuvre muséale de Pierre Bonnard, Marthe et le chien Black

Le château de Versailles et le musée des Beaux-Arts de Rennes s'associent en 2023 et 2024 pour célébrer Noël Coypel (1628-1707), qui œuvra aux décors versaillais sous la houlette de Charles Le Brun et sur le chantier du parlement de Bretagne. Père et grand-père de peintres reconnus, célèbre et respecté en son temps, présent sur tous les chantiers royaux du règne de Louis XIV, jamais l’artiste n’avait encore bénéficié d’une exposition monographique alors même qu’une large part de son oeuvre a été restaurée au cours des vingt dernières années. Ses talents de décorateur seront particulièrement à l’honneur à Versailles où l’une de ses plus belles réalisations est toujours en place.

La Morgan abrite l'une des plus grandes et des plus importantes collections de dessins de Giambattista Tiepolo (1696-1770) et de son fils aîné Domenico (1727-1804), avec plus de 300 oeuvres. Combinant les points forts de la collection Morgan avec des prêts soigneusement sélectionnés, cette exposition offrira un aperçu complet du travail des Tiepolo en tant que dessinateurs, en se concentrant sur le rôle du dessin dans leur processus créatif et les propriétés physiques et stylistiques distinctes de leur travail graphique. Au cœur de la collection et de l’exposition se trouvent d’importants groupes de dessins de Giambattista liés aux grands projets de fresques de plafond des années 1740 et 1750. Un regard neuf sur le style, la fonction et les propriétés matérielles de ces dessins d’exécution a permis de mieux comprendre leurs objectifs. Plus important encore, l'exposition présente pour la première fois des études de plume extrêmement rares pour le magnum opus de Tiepolo, la fresque du plafond au-dessus de l'escalier de la résidence de Würzburg de 1752 et un groupe de croquis audacieux nouvellement liés à sa fresque au plafond de 1754 à l'église vénitienne. de Santa Maria della Pietà.  

À l’occasion de la célébration du 50e anniversaire de la mort de Picasso, le Musée du Luxembourg propose une grande exposition sur l’histoire d’une amitié hors norme, entre deux icônes du XXe siècle, Pablo Picasso et Gertrude Stein.
Gertrude Stein (1874-1946), une immigrée juive américaine, à la fois écrivaine, poète et esthète, s’installe à Paris dès 1903 peu après l’arrivée de Picasso, alors jeune artiste. Leur position d’étrangers et leur marginalité fondent leur appartenance à la bohème parisienne et leur liberté artistique. Leur amitié s’est cristallisée autour de leur travail respectif, fondateur du cubisme et des avant-gardes picturales et littéraires du XXe siècle. Leur postérité est immense.
En examinant leur complicité et leur inventivité, l’exposition du Musée du Luxembourg traversera un siècle d’art, de poésie, de musique et de théâtre à travers de grandes figures telles que Henri Matisse, Juan Gris, Marcel Duchamp, Jasper Johns, Andy Warhol, Bruce Nauman, Carl Andre, Joseph Kosuth, Hanne Darboven, Glenn Ligon, John Cage, Bob Wilson, Gary Hill ou encore Philip Glass.

Cette exposition événement consacrée au maître hollandais Frans Hals (1582-1666), l'un des peintres les plus célèbres de sa génération, est la première de cette envergure depuis plus de 30 ans. Essentiellement connu pour ses portraits d'un style nouveau en son temps, montrant ses modèles dans des poses plus naturelles et montrant davantage d'émotions, cette exposition sera l'occasion de découvrir l'ensemble de ses talents, réunissant près de 50 tableaux et notamment son chef-d'oeuvre incontesté, prêté ici pour la première fois par la Wallace Collection de Londres : "le Cavalier riant" (1624).

La collection de dessins italiens du Princeton University Art Museum est réputée pour sa qualité, sa portée et son importance scientifique. Cette exposition présente quatre-vingt-quinze œuvres de la fin du XVe au début du XXe siècle de nombreux artistes, dont Parmesan, Guerchin, Le Bernin, Giovanni Battista Tiepolo et Amedeo Modigliani.

En collaboration avec le Musée d’Art moderne de Paris, Paris Musées, la Fondation Pierre Gianadda a le privilège d’exposer plus d’une centaine d’oeuvres provenant aussi de musées français tels le Musée national d’art moderne Centre Pompidou, le Musée Paul Dini, ou celui des Beaux-Arts de Bordeaux et de collections privées. Des peintures, sculptures et céramiques toutes emblématiques des années fauves vont parer les cimaises de la Fondation de couleurs flamboyantes.

Le Musée d’Art Moderne de Paris consacre une grande rétrospective à Nicolas de Staël (1914-1955), elle rassemble une sélection d’environ 200 tableaux, dessins, gravures et carnets venus de nombreuses collections publiques et privées, en Europe et aux Etats-Unis. À côté de chefs-d’oeuvre emblématiques tels que le Parc des Princes, elle présente un ensemble important d’œuvres rarement, sinon jamais, exposées, dont une cinquantaine montrées pour la première fois dans un musée français.

Première grande exposition après la grande réouverture du musée, celle ci se se concentre sur le développement d'un nouveau genre, l'étude de tête.
L'intérêt pour le tronie , le vieux mot néerlandais signifiant « visage », a pris un essor au XVIIe siècle, lorsque des artistes comme Rubens, Rembrandt et Vermeer ont mis leur talent à peindre le visage humain. Les résultats sont souvent petits, mais éblouissants peints, dessinés ou gravés : des œuvres intimes qui nous rapprochent plus que jamais de l'artiste. Jamais auparavant le genre n’avait été couvert de manière aussi complète. Turning Heads au KMSKA rassemble pas moins de 76 chefs-d'œuvre parmi les plus éloquents des collections belges et internationales.

Autour des deux  artistes les plus novateurs et radicaux de ce mouvement, Matisse et Derain, la grande exposition du Kunstmuseum de Bâle sera consacrée au Fauvisme, véritablement le premier courant d’avant-garde du XXe siècle. Les artistes les plus iconoclastes de cette période seront réunis, parmi lesquels Georges Braque, Raoul Dufy et Kees van Dongen, entre autres. Certaines figures féminines importantes seront également mises en lumière, notamment les peintres Émilie Charmy et Marie Laurencin, et, de manière inédite, l'exposition expliquera le rôle primordial qu’a tenu la galeriste Berthe Weill dans le commerce des œuvres fauves.

Près d’un siècle après la rencontre entre les deux hommes en 1914, cette exposition se propose de revenir sur l’un des moments emblématiques de la vie d’Amedeo Modigliani, celui où Paul Guillaume devient son marchand. Elle s’attachera à explorer la manière dont les liens entre les deux personnages peuvent éclairer la carrière de l’artiste.

Depuis les études de jeunesse jusqu’aux œuvres ultimes, le dessin est le lieu, pour Picasso, d’une invention toujours renouvelée. ​Cette traversée de l’œuvre graphique, sorte de journal intime tenu compulsivement, dont les carnets sont les exemples les plus précieux, offre une immersion au cœur du travail du dessinateur. Le parcours proposé, non linéaire, bousculant la stricte chronologie, permet de créer des échos entre différentes périodes et met en regard des chefs-d’œuvre reconnus et des dessins présentés pour la première fois. Plus grande rétrospective de l’œuvre dessiné et gravé jamais organisée, « Picasso. Dessiner à l’infini » plonge le visiteur dans le tourbillon de la création picassienne.​ 

Cette exposition révolutionnaire est la première à explorer les représentations des blanchisseuses parisiennes de l’artiste impressionniste Edgar Degas. Ces femmes ouvrières étaient visibles dans la ville, lavant et repassant dans les magasins ouverts sur la rue ou portant de lourds paniers de vêtements. Leur travail était parmi les plus difficiles et les moins bien payés de l'époque, obligeant certaines blanchisseuses à compléter leurs revenus par le travail du sexe. Cette industrie a fasciné Degas tout au long de sa longue carrière, commençant dans les années 1850 et se poursuivant jusqu'à sa dernière décennie de travail. Il réalise une trentaine de représentations de blanchisseuses, dont une sélection est réunie pour la première fois dans cette exposition. Les œuvres de cette série – révolutionnaires par l’accent mis sur le travail des femmes, la pénibilité de ce travail et la classe sociale – ont été présentées dans les premières et les plus importantes expositions de Degas, où elles ont été saluées par la critique comme incarnant la modernité.

Cette exposition thématique consacrée à Pablo Picasso (1881-1973) mettra en valeur la façon dont son œuvre est profondément influencé par certains motifs et sujets religieux. La première partie montrera la façon dont Picasso s'est imprégné de l'imagerie religieuse, notamment dans la tradition du portrait, pour la transformer en une véritable galerie de figures presque sauvages, douteuses et profanes. La seconde partie sera consacrée à une dimension plus intime, avec des natures mortes et des portraits autour du thème de la mère à l'enfant. Une troisième section montrera la façon dont le thème et l'imagerie de la Passion ont pu inspirer certaines scènes de corrida ainsi que les portraits de femmes intenses et dramatiques peints dans les années 1930.

Au XVIIe s., le genre allégorique imprègne les arts et la littérature de toute l'Europe via un ouvrage venu d'Italie, l’Iconologia de Cesare Ripa, publiée à Rome en 1593.
Elle sera d'une grande importance dans la France du Grand Siècle.
L'exposition en présente les sources, la mise en œuvre par les artistes, puis l'évolution.

Le Petit Palais met à l’honneur son riche cabinet d’arts graphiques à travers une sélection de près de 200 feuilles des grands maîtres de l’estampe comme Dürer, Rembrandt, Callot, Goya, Toulouse-Lautrec, entre autres... L’estampe tient une place prépondérante dans la collection du Petit Palais. Elle est le reflet du goût de ses illustres donateurs, les frères Auguste et Eugène Dutuit et du conservateur Henry Lapauze, à l’origine d’un musée de l’Estampe moderne créé en 1908 au sein même du Petit Palais. En suivant le fil de l’histoire des collections, l’exposition permet à travers ses plus beaux trésors de découvrir un panorama inédit de l’estampe du XVe au XXe siècle.

Grâce à la réunion de plusieurs œuvres du musée Capodimonte au cœur des salles du Louvre, cette grande exposition offrira un aperçu unique et inédit de la peinture italienne du 15e au 17e siècle. Trente-trois tableaux venus de Naples, signés des plus grands noms de la peinture italienne, viendront dialoguer avec les collections du Louvre (Titien, Caravage, Greco, Carrache, Guido Reni pour n’en citer que quelques-uns), ou bien les compléter en permettant la présentation d’écoles peu ou pas représentées – notamment la singulière école napolitaine, avec des artistes à la puissance dramatique et expressive tels que Jusepe de Ribera, Francesco Guarino ou Mattia Preti.

Puisque Capodimonte abrite le deuxième cabinet de dessins d’Italie après celui des Offices, cette exposition incluera également une présentation de quelques-unes des plus belles feuilles du musée ainsi que des cartons de grands décors, dessinés par les plus grands maîtres du dessin italien, soit Raphaël et Michel-Ange.

LouisJanmot, peintre de l’âme, est un artiste très singulier dans son temps, mais son œuvre fait écho à celle de plusieurs autres artistes tels que William Blake, Philipp Otto Runge ou Francisco de Goya avant lui, ses contemporains les Préraphaélites, ou encore, plus tard, les symbolistes, en particulier Odilon Redon qui a été en contact avec lui. L’exposition replace Le Poème de l’âme et son auteur à la croisée de références, d’influences et de courants aussi bien littéraires, religieux et philosophiques qu’artistiques.

Le Noordbrabants Museum rassemble le meilleur de cinq générations de Brueghel dans une exposition unique et ambitieuse de quatre-vingts peintures et gravures. Ensemble sous un même toit pour la première fois. Une réunion de famille des Bruegel.

Le Palazzo Ducale de Mantoue accueillera l'exposition "Rubens : Le retable de la Sainte Trinité", centrée sur l'une des entreprises les plus impressionnantes de l'artiste : le cycle des trois compositions monumentales pour l'église de la Sainte Trinité, dont l'une - après d'incroyables vicissitudes - est toujours exposée au Palais des Doges et constitue une étape fondamentale dans le parcours cognitif de ce grand maître. Rubens consolide ses liens avec Mantoue lorsqu'il arrive en 1600, jeune peintre prometteur, à la cour de l'une des plus grandes familles italiennes : les Gonzague. Il en repartira une dizaine d'années plus tard, à la trentaine, avec la réputation d'un maître incontesté.

Le projet d'exposition présente un nouvel aménagement muséographique et lumineux de l'ensemble de l'appartement ducal, commandé par Vincenzo Ier et réalisé par Antonio Maria Viani : les œuvres de la collection permanente - de la fin du XVIe siècle à la fin du XVIIe siècle - y sont exposées. Le point central du parcours sera la Sala degli Arcieri, où sera exposé le retable, dont l'histoire est racontée par une reconstitution tridimensionnelle innovante de l'église de la Sainte-Trinité, aujourd'hui inaccessible au public.

Entre octobre 2023 et février 2024, la Fondazione Palazzo Te, le Palazzo Ducale de Mantoue et la Galleria Borghese de Rome unissent leurs forces dans un projet ambitieux qui rend hommage au maître Rubens (1577 - 1640), qui s'est profondément inspiré de la culture classique, laissant une marque profonde et indélébile sur les cours italiennes et européennes.

A Mantoue, l'exposition "Rubens au Palazzo Te : Peinture, transformation et liberté" se concentrera en particulier sur la relation entre le peintre flamand et la culture mythologique qu'il a rencontrée en Italie. L'exposition vise à créer une correspondance entre les œuvres, les motifs décoratifs et iconographiques du Palazzo Te : un itinéraire paradigmatique qui démontre comment les suggestions de la Renaissance absorbées et élaborées par Rubens dans ses années mantouanes et italiennes ont continué, en évoluant, à être présentes dans les peintures de sa maturité, jusqu'à être transmises dans l'héritage intellectuel et artistique légué à ses élèves. Les œuvres de l'exposition ont donc été choisies en fonction du dialogue qu'elles établissent avec les mythes et de l'interprétation qu'en a fait Giulio Romano (1499-1546) dans les différentes salles, éléments qui ont contribué à créer chez Rubens un lien permanent avec la Renaissance et les mythes.

Le musée Condé présente une partie totalement inédite de ses collections à l’occasion de sa saison néerlandaise. Illustre amateur d’estampes, le duc d’Aumale a réuni une collection de gravures au burin ou d’eaux fortes qui témoigne du fait que Rembrandt est loin d’être le seul artiste à avoir fait preuve de brio dans ce domaine.
Sommets de virtuosité technique, les paysages gravés par Jacob Van Ruisdael, les scènes de folklore rural d’Adriaen Van Ostade, les portraits d’Antoine Van Dyck, les soldats d’Hendrik Goltzius, les marines de Reinier Nooms dit Zeeman ou les vaches et moutons de Nicolaes Berchem et Paulus Potter conservés à Chantilly offrent un accès privilégié à ce que fut l’imaginaire collectif du Siècle d’or néerlandais – soit une époque qui s’est définie elle-même comme un âge d’or florissant et optimiste.