C'est la première exposition que le musée du Louvre consacre à Cimabue, l’un des artistes les plus importants du XIII° siècle.
Le point de départ en est deux actualités « cimabuesques » de grande importance pour le musée : la restauration de la Maestà et l’acquisition d’un panneau inédit de Cimabue redécouvert en France en 2019 et classé Trésor national, La Dérision du Christ.
En plus de ces deux tableaux, dont la restauration s’est achevée en 2024, l'exposition rassemble une quarantaine d’œuvres qui évoquent ce tournant de l'art occidental.

L'exposition présente plus d'une centaine d'œuvres de Pierre Bonnard, dont des tableaux phares prêtés par des institutions comme le musée d'Orsay à Paris, le Metropolitan Museum of Art de New York et la National Gallery of Art de Washington et elle s'intéresse à l'influence considérable qu'il a eu sur les artistes scandinaves, de son vivant comme après sa mort. En 1939, en effet, une grande exposition de ses peintures ouvrit ses portes à Oslo, Göteborg et Stockholm. Il s'agissait de la plus grande exposition de ses oeuvres jamais organisée hors de France. En Suède, Bonnard devint une source d'inspiration pour les « coloristes de Göteborg » entre autres. La vue des peintures de Bonnard laissa des traces chez ces artistes que l'on retrouve exposés ici à ses côtés.

Cette exposition se penche sur l’offensive menée par le régime nazi contre l’art moderne, notamment à travers l’exposition infamante Entartete Kunst organisée en 1937 à Munich. En mettant en lumière ce pan sombre de l’histoire de l’art, l’exposition propose une réflexion sur les attaques faites aux avant-gardes artistiques, à travers des œuvres emblématiques et un contexte historique approfondi. Elle a un écho particulier dans ce musée consacré au peintre de Guernica qui incarnait de manière emblématique, dans les années Trente, la figure de l’artiste dit "dégénéré". 

Cette première rétrosperctive consacrée à Suzanne Valadon depuis l'exposition de 1967, présente près de deux cents œuvres issues des collection du Centre Pompidou, la part la plus importante, mais aussi du musée d’Orsay et de l’Orangerie. Elle benéficie en outre de prêts exceptionnels du Metropolitan Museum of Modern Art de New York ou encore de la Fondation de l’Hermitage et aussi d’importantes collections privées. L'exposition dévoile également de nombreux dessins rarement montrés au public : c'est l'occasion de mieux comprendre et apprécier le processus créatif de l'artiste et son univers à cheval entre les siècles et les courants artistiques. 
Le parcours, divisé en plusieurs thématiques, rappelle ainsi l'importance de cette peintre dans le monde de l'art moderne.

La collection Oskar Reinhart présente un ensemble extraordinaire de chefs-d'œuvre qui sont exposés hors de sa villa «Am Römerholz» de Winterthur, pour la première fois dans l'histoire de cette institution. C'est une occasion unique d'apprécier ses chefs-d'œuvre, notamment des tableaux majeurs d'artistes de la génération précédant les impressionnistes, tels que Goya, Géricault et Courbet et surtout les extraordinaires fonds impressionnistes et postimpressionnistes de Reinhart, qui comprennent certaines des plus grandes peintures de ces mouvements,  La collection Reinhart a des affinités étroites avec celle de Courtauld, qui offre donc le cadre idéal pour organiser cette exposition inédite.

Le Musée Guggenheim de Bilbao présente une large sélection d’œuvres issues du fond d'art graphique du Musée des Beaux-Arts – Galerie Nationale Hongroise de Budapest. Ce sont quelques 150 chefs-d’œuvre qui sont exposés, retraçant les grandes étapes du dessin et de la gravure. On y retrouve Albrecht Dürer, Léonard de Vinci, Raphaël, Rembrandt, Francisco de Goya, mais aussi Miklós Barabás, Henri de Toulouse-Lautrec, Pablo Picasso, Egon Schiele, Victor Vasarely, Vera Molnar, Judit Reigl, Dóra Maurer, Georg Baselitz, Katharina Grosse et Gerhard Richter, soit un panorama complet de la création graphique, du XVe siècle à nos jours.

Cette exposition présente les chefs-d’œuvre du Petit Palais de Genève, une collection impressionniste et postimpressionniste particulièrement originale, qui n'était plus visible depuis la fermeture de l'institution en 1998.
Cet ensemble a été réuni à partir des années 1950 par Oscar Ghez, industriel d’origine tunisienne qui  s’est intéressé à la peinture de la fin du 19e siècle et du début du 20e siècle sans limiter ses choix aux grands maîtres. Ainsi, il fit l’acquisition de tableaux d’Édouard Manet et d’Auguste Renoir, mais également de toiles d’artistes moins connus alors, comme Gustave Caillebotte, Théophile-Alexandre Steinlen, Charles Angrand, Maximilien Luce, et Louis Valtat, dont certaines sont devenues depuis des icônes.

En association avec le Musée de Bordeaux où elle sera présentée ensuite, le musée de Tessé présente une exposition consacrée à la représentation de l'enfance dans les arts de 1790 à 1850. Organisée avec le soutien scientifique du musée du Louvre, elle réunit une centaine d'oeuvres issues des collections publiques mais aussi de collections privées. On y retrouve de grands noms comme Géricault, Delacroix ou Ingres, mais aussi des artistes moins connus qu'il nous est donné de redécouvrir.

L'exposition présente les oeuvres que Francis Bacon a consacré au thème du portrait et de l'autoportrait. Elle est axée autour de deux grandes périodes de son œuvre. La première partie expose des portraits saisissants, dont des hommages au peintre espagnol du XVIIe siècle Diego Velázquez avec le célèbre portrait du pape Innocent X. La seconde partie se concentre sur les portraits d'amants tragiques de Bacon, notamment un triptyque poignant réalisé après le suicide de son compagnon George Dyer. Datant de cette période, on trouve également des autoportraits et des portraits de femmes. Pour la plupart les oeuvres présentées sont  issues de la National Portrait Gallery de Londres,

Cette exposition se propose comme une première découverte d'un fond méconnu : ce sont 130 estampes sélectionnées parmi plus de 10 000 feuilles du XVIe au XIXe siècle qui sont présentées alors que quasiment aucune de ces estampes n’a été présentée au public depuis la création du musée.
On retrouve des artistes comme  Callot, Dürer, Delacroix, Corot, Piranèse ou Steinlen  mais également des estampes de Castiglione,  Boissieu, Della Bella, Bouzonnet-Stella ou Bracquemond. .

L'exposition présentée à l'Albertina s'intéresse aux oeuvres sur papier coloré de Léonard de Vinci et d'Albrecht Dürer, qu'elle confronte. Ces deux maitres ont en effet indépendamment l’un de l’autrre perfectionné une technique qui travaille avec la lumière et l’ombre sur du papier coloré.  Elle réunit 146 œuvres provenant de collections prestigieuses, dont des prêts du Louvre, du British Museum et de la Galerie des Offices. En plus des dessins de Léonard de Vinci et de Dürer, elle présente des œuvres de Raphaël, Titien ou encore Hans Baldung Grien partageant cette même caractéristique.

Les collections du musée Condé au Château de Chantilly, conservent un ensemble de dix œuvres d’Antoine Watteau (1684-1721) soit la deuxième plus importante collection de ses œuvres en France après le Louvre. Ces six dessins et quatre peintures offrent le point de départ  d'une exploration des différentes facettes de l’œuvre de l’artiste. En réunissant autour de ces œuvres de nombreux prêts l’exposition propose de plonger le public dans les mondes de Watteau au moyen d’un parcours en cinq sections.

Cette exposition invite à la découverte d'une peinture exceptionnelle du début du 16e siècle réalisé par le petit-fils du maître flamand Rogier Van der Weyden. Ce retable est composé de huit panneaux peints et est dédié à l'histoire de Dymphne, une Sainte irlandaise. Elle a été restaurée avec soin pendant trois ans par La Fondation Phoebus (Anvers,Belgique) et elle est présentée pour la première fois en France à cette occasion.

Cette exposition se penche sur la façon dont les artistes et les intellectuels en exil pendant la Seconde Guerre mondiale ont mis leur créativité au service d’un « certain esprit français » et des valeurs de liberté. On retrouve ainsi des figures marquantes comme André Masson, Wifredo Lam, Maria-Elena Vieira da Silva, Fernand Léger ou Jean Hélion et ainsi est reconstitué à cette ocasion l’atelier New-yorkais du sculpteur Ossip Zadkine qui s'était exilé dès 1941.

Après avoir été présentée au Metropolitan Museum de New York, cette retrospective de l'art siennois du XIV° siècle est présentée à la National Gallery de Londres. Elle nous invite à l'exploration d'un tournant crucial dans l'art italien: le début des années 1300 dans la ville de Sienne.
Au début des années 1300, la ville de Sienne a donné naissance à une période extraordinaire de créativité et d'innovation. Peintres, sculpteurs et orfèvres ont produit des œuvres remarquables dont l'impact s'est fait sentir bien au-delà des murs de la ville. Des vastes retables aux objets portatifs destinés à la dévotion privée, l'art émanant de Sienne a laissé un héritage durable.
Sienne est devenue le centre d'un riche échange d'idées, les peintres s'inspirant de sculptures en marbre et en ivoire, d'ouvrages en métal complexes et de soieries précieuses importées. Voyageant au-delà de leur ville natale, les artistes siennois ont laissé leur empreinte à travers l'Italie et dans le nord de l'Europe.

C'est la première exposition consacrée à Nicolas-Guy Brenet (1728-1792). Peintre d’Histoire à l’Académie royale de peinture et de sculpture à Paris, il honore tout au long de sa carrière de prestigieuses commandes destinées principalement au roi et à l’Église. À Douai, il conçoit un ensemble de tableaux allégoriques toujours en place au sein de l’actuel Palais de justice. Il travaille également au décor de la collégiale Saint-Pierre en peignant un spectaculaire Triomphe de la Vierge, encore visible à son emplacement d’origine. Cette rétrospective permet d’appréhender la carrière d’un peintre emblématique du renouveau de la peinture d’Histoire avant la Révolution française et de découvrir la richesse de la vie artistique douaisienne au XVIIIe siècle. 

La Royal Academy présente une retrospective des œuvres sur papier de Victor Hugo, dont la dernière exposition au Royaume-Uni remonte à plus de 50 ans. Présentant environ 70 œuvres provenant d'importantes collections européennes, cette exposition historique suit la passion de Hugo pour le dessin, depuis ses premières caricatures et dessins de voyage jusqu'à ses paysages dramatiques et ses expériences avec l'abstraction. Ses visions de châteaux, de monstres et de paysages marins imaginaires qu'il peint à l'encre et au lavis  ont inspiré les poètes romantiques et symbolistes, ainsi que de nombreux artistes, dont les surréalistes. Vincent van Gogh les comparait à des « choses étonnantes »

Le musée des impressionnisme présente les chefs d'oeuvre d'une des collections privées les plus prestigieuses, rassemblés par David et Ezra Nahmad : des maîtres de l’impressionnisme Monet, Renoir, Pissarro, Sisley et Degas, jusqu’aux figures majeures du XXe siècle, Modigliani, Matisse et Picasso, mais également Moreau et Redon ou encore Boldini et Fattori.

A l'occasion du 500ème anniversaire de sa mort, le Musée Poldi Pezzoli consacre une exposition inédite au peintre Andrea Solario (1465-1524), l'un des interprètes les plus originaux de la Renaissance lombarde. Avec la collaboration scientifique du Musée du Louvre, elle réunit pour la première fois une sélection d'environ 25 œuvres provenant de prestigieuses collections d'Italie, de France et d'Angleterre. Une occasion incontournable d'admirer des chefs-d'œuvre qui révèlent la maîtrise technique et l'évolution stylistique d'un artiste influencé par de grands maîtres tels que Giovanni Bellini, Antonello de Messine et Léonard de Vinci.
 

L’empereur Rodolphe II avait un intérêt marqué pour l’étude de la nature, à la cour de Prague, il s’était entouré de nombreux scientifiques, botanistes, astronomes, alchimistes, qui travaillaient non loin des artistes dans l’enceinte du château. L'exposition s'attache à montrer comment la convergence des différentes approches de la nature, scientifique et artistique, contribua au renouvellement de la création artistique à la cour de Rodolphe II. Elle rassemble une sélection de près de quatre-vingt-dix œuvres de premier plan, des dessins, objets d’art, peintures, sculptures et estampes, mais aussi des livres et des instruments scientifiques.

L'exposition explore le développement spectaculaire de l’affiche illustrée à Paris dans la seconde moitié du XIXe siècle. Elle présente près de 300 œuvres, en particulier les réalisations marquantes des « maîtres de l’affiche » : Bonnard, Chéret, Grasset, Mucha, Steinlen, Toulouse-Lautrec pour les plus fameux. Elle s'articule autour de trois thématiques principales - L'affiche transforme la ville ; L'avant-garde est dans la rue ; L'affiche, art social - C'est l'occasion de découvrir un ensemble unique d’affiches, peintures, photographies, costumes, sculptures et objets d’art décoratif qui évoquent l’univers effervescent de la rue au tournant du XXe siècle.

Cette exposition présente un nombre exceptionnel de peintures de Caravage dans l'un des lieux symboliques qui unissent l'artiste à ses mécènes, le Palazzo Barberini. Parmi les œuvres exposées, on trouve le Portrait de Maffeo Barberini, récemment présenté au public plus de soixante ans après sa redécouverte, et présenté pour la première fois aux côtés d'autres tableaux du Caravage. On y trouve également l'Ecce Homo, actuellement exposé au musée du Prado à Madrid, qui reviendra en Italie pour la première fois depuis des siècles, ainsi que d'autres prêts exceptionnels comme Sainte Catherine du musée Thyssen-Bornemisza de Madrid – un chef-d'œuvre de la collection Barberini qui reviendra au palais qui l'abritait autrefois – et Marthe et Marie du Detroit Institute of Arts, pour lequel l'artiste a utilisé le même modèle que pour la Judith conservée au palais Barberini, tous exposés ensemble pour la première fois.

L'exposition présentée au Musée du Luxembourg s'intéresse à l’influence que Fernand Léger a eue sur les Nouveaux Réalistes. Ce mouvement artistique est fondé en 1960, par le critique d’art Pierre Restany et est baptisé ainsi en hommage à Fernand Léger, qui utilise cette formule dès 1920 pour définir sa démarche artistique. L'exposition confronte des oeuvres de Fernand Léger aux créations de nombreux artistes issus du Nouveau Réalisme tels Niki de Saint Phalle, Arman, Klein, Raysse ou César mais également des représentants du Pop Art comme Roy Lichtenstein, ou des artistes émergents dans les années 1970 et 1980 comme Keith Haring.

Le musée d'Orsay propose la première rétrospective en France consacrée au peintre norvégien Christian Krohg. Elle s'intéresse aux liens de l’artiste avec les luttes politiques et sociales de son temps et met à l'honneur sa peinture naturaliste et engagée. Ce sont aussi ses liens avec certains artistes français comme Gustave Courbet et Edouard Manet qui sont mis en valeur, mais aussi sa série consacrée aux marins, ou encore ses portraits des membres du milieu bohème de Kristiania.

Il s'agit de la première rétrospective française consacrée à Andrea Appiani, le plus connu des peintres néoclassiques du nord de l’Italie L’exposition rassemble une centaine d’œuvres, dont des peintures, des dessins, des gravures et des médailles, provenant de collections publiques et privées européennes. L’objectif est de restituer au public la complexité de l’œuvre d’Appiani, et de revenir en particulier sur sa rencontre avec Napoléon qui eut lieu en mai 1796 et qui devait marquer un tournant décisif dans sa carrière.

À travers une quarantaine de tableaux, l'exposition rend hommage à l’artiste romaine Artemisia Gentileschi
De sa formation avec son père, l'artiste Orazio Gentileschi, à l’influence décisive qu'a eu l'art du Caravage, elle fut l'une des rares peintres femmes à avoir pu vivre de son art et à avoir connu de son vivant une reconnaissance et une célébrité internationales.
Son histoire personnelle et en particulier le viol dont elle fut victime, est inséparable de son oeuvre. Elle a puisé son inspiration dans les thèmes bibliques et littéraires pour mettre en avant l’héroïsme féminin, qu’elle représenta avec une rare empathie. 

Cette exposition orignale s'intéresse au flou. Le point de départ et de référence en est bien sur la série des "Nymphéas" de Claude Monet. Après une introduction sur les origines de cette esthétique au 19e et 20e siècle, le propos est de montrer coment le flou se révèle être une clé pour la lecture d’un pan entier de la création plastique moderne et contemporain. Elle offre l'occasion d'un dialogue entre peintures, vidéos, photographies et installations

Le Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris poursuit sa politique de présentation de figures féminines majeures de l’Art moderne dont les parcours artistiques sont étroitement liés à la capitale. Cette exposition est consacrée à Gabrielle Münter, pionnière de l’Art moderne, qui débuta sa carrière à Paris, où elle exposa pour la première fois en 1907 au Salon des Indépendants. Elle présente 170 œuvres de différentes techniques (peinture, gravure, photographie, broderie, etc), avec pour ambition de proposer un parcours chronologique détaillé de son œuvre.

L'exposition du Musée d'Art Moderne se penche sur la relation artistique et personnelle entre Henri Matisse et sa fille aînée, Marguerite Duthuit-Matisse. Elle présente plus de 110 œuvres – peintures, dessins, gravures, sculptures et céramiques dont certaines rarement, voire jamais, exposées en France. Au long d'un parcours chronologique elle retrace les étapes marquantes du rapport essentiel entre Martisse et sa fille qui fut au cœur de nombreuses créations majeures de l'artiste.

Cette exposition réunit 80 œuvres d'Eugène Boudin issues de la collection Yann Guyonvarc'h, ainsi que plusieurs prêts du musée des Beaux-Arts d’Agen et du musée d’art moderne André Malraux du Havre. Les collections du Musée Marmottan permettent en particulier de faire dialoguer les oeuvres du peintre avec celles de Claude Monet, qui déclarait "« Si je suis devenu peintre, c’est à Boudin que je le dois ». Le parcours est organisé en 8 sections retraçant la carrière de l'artiste dans le temps et l'espace, de La Normandie à Venise en passant par les Pays-Bas.

Cette exposition inédite s'intéresse aux fêtes dans la culture flamande des XVI° et XVII° siècles. Elle rassemble plus d’une centaine de pièces : peintures, gravures, dessins et  objets (instruments de musique, céramiques...) provenant majoritairement d’institutions belges et françaises, parmi lesquelles en particulier les Musées Royaux des Beaux-Arts de Belgique et le musée du Louvre, ainsi que d’autres musées internationaux. On y retrouve bien entendu des oeuvres consacrées à ce thème par Brueghel, Rubens ou encore Jordaens.

Cette exposition présente plus de 400 œuvres de David Hockney, datées de 1955 à 2025. Elles proviennent de l’atelier de l’artiste et de sa fondation mais aussi de prêts de collections internationales, institutionnelles ou privées. L'artiste a voulu suivre personnellement la conception de chaque séquence et de chaque salle, 
L’exposition réunit des créations réalisées avec les techniques les plus variées – des peintures à l’huile ou à l’acrylique, des dessins à l’encre, au crayon et au fusain, mais aussi des œuvres numériques et des installations vidéo. Le choix de l'artiste est de centrer l’exposition sur les 25 dernières années de son œuvre sans omettre les œuvres mythiques de ses débuts, proposant ainsi une immersion dans son univers, couvrant sept décennies de création.

A l'occasion du 400e anniversaire de la mort de Jan Brueghel l'Ancien, dernier fils de Pieter Bruegel l'Ancien, le Musée de Flandre revient sur la carrière de l'artiste et sur la relation artistique qu'il a nouée avec Hendrick van Balen. Car s'il était un spécialiste des paysages, des fleurs, des fruits et des animaux, il s'adjoignait souvent les compétences d'autres peintres, chargés de représenter les figures et son plus grand collaborateur, après Rubens, fut van Balen. De nombreux prêts des plus grands musées européens et de collections particulières rendent possible cet hommage à l’un des plus importants peintres anversois du XVIIe siècle.

A l'occasion de la restauration du manuscrit des Très Riches Heures du duc de Berry, les premiers feuillets déreliés seront présentés pour la première et probablement la dernière fois. Les pages du calendrier, particulièrement célèbres, seront toutes exposées avant d'être replacées dans leur reliure restaurée. 
En outre pour la première fois depuis des siècles, tous les livres d'heures de Jean de Berry, aujourd'hui dispersés dans diverses collections à travers le monde, seront réunis en un seul lieu. Cette réunion exceptionnelle est rendue possible grâce à des prêts prestigieux, notamment les Belles Heures conservées au Metropolitan Museum of Art. En plus des livres d'heures, une partie de la célèbre bibliothèque du duc de Berry, l'une des plus importantes du Moyen Âge, sera également exposée.

À travers une centaine d’œuvres,cette exposition explore les représentations de l’horizon de la Renaissance à nos jours. Avec ce sujet fascinant il s'agit de s'intéresser à la manière dont les artistes ont rendu sensibles les paradoxes de l’horizon, impliquant la question de la perception, de la représentation et du partage de l’espace. L’exposition s'ouvre avec le Mariage de la Vierge du Pérugin (1504), et se poursuit avec une centaine d’œuvres datant du 16e au 21e siècle. On y retrouve Albrecht Dürer, Joachim Patinir, Caspar David Friedrich, Gustave Courbet jusqu'à des artistes contemporains.

En 2025, Aix-en-Provence célèbre Paul Cezanne. L'exposition Cézanne au Jas de Bouffan présentée au Musée Granet propose un parcours thématique autour des œuvres réalisées par l’artiste entre 1860 et 1899, dans sa demeure familiale.. La rétrospective présente une centaine d’œuvres, illustrant l’influence profonde de cet espace intime sur son travail. On y retrouve les grands thèmes chers à Cezanne : les paysages provençaux, les portraits intimes, les célèbres baigneurs et baigneuses, ainsi que ses natures mortes, réalisées à l’huile ou à l’aquarelle. Grâce à des prêts prestigieux de musées renommés à travers le monde, notamment Paris, New York, Tokyo ou encore Londres, cette exposition promet une immersion enrichissante dans l’univers de Cezanne depuis sa jeunesse jusqu’à ses créations les plus abouties.

Cette exposition est l'occasion de présenter après leur la restauration, un certain nombre de chefs-d'œuvre de Fra Angelico et pour la première fois le réassemblage de plusieurs des grands retables du maitre dispersés dans des musées d'Europe et d'Amérique du Nord.
Cela est rendu possible par des prêts exceptionnels d'institutions comme le Louvre à Paris, la Gemäldegalerie de Berlin, le Rijksmuseum d'Amsterdam, le château de Windsor, les musées du Vatican, le Metropolitan Museum of Art de New York la Gallery of Art de Washington et le Philadelphia Museum of Art. L'exposition permet également d'explorer la production, le développement et l'influence de l'art de Fra Angelico en dialogue avec des peintres comme Lorenzo Monaco, Masaccio, Filippo Lippi, Jan van Eyck et Lorenzo Monaco, ainsi qu'avec des sculpteurs comme Lorenzo Ghiberti, Michelozzo et Luca della Robbia.

Cette exposition organisée en collaboration avec le musée Kröller-Muller de Rotterdam présente l'ensemble de peintures néo-impressionnistes le plus complet au monde, réunis par Helene Kröller-Müller, l'une des premières grandes mécènes du XXe siècle. Collectées dans le but de les rendre accessibles au public, ces œuvres font désormais partie du Musée Kröller-Müller aux Pays-Bas, fondé par Helene Kröller-Muller.
L'exposition Harmonie radicale : les néo-impressionnistes d'Helene Kröller-Müller se concentrera sur la manière dont ce style est devenu l'un des tout premiers mouvements artistiques paneuropéens. Si radical que certains critiques de l'époque y ont vu le signe de la mort de la peinture, en raison de la nature méthodique de la production d'un tableau en points pointillistes réguliers de couleur pure, supprimant l'individualité d'un artiste généralement exprimée par ses coups de pinceau.

À l'occasion du 250e anniversaire de leur naissance, cette exposition historique explore les vies et les héritages étroitement liés de Turner et Constable. En effet ils étaient nés à un an d'intervalle :Turner en 1775 et Constable en 1776 et tous deux utilisaient l'art du paysage comme un moyen de refléter l'évolution du monde qui les entourait. Les deux peintres se disputaient le succès par des approches très différentes mais tout aussi audacieuses, ce qui donna lieu à une rivalité acharnée. Turner peignait des couchers de soleil flamboyants et des scènes sublimes de ses voyages, tandis que Constable revenait souvent à des représentations de quelques lieux qu'il aimait tant, s'efforçant d'apporter fraîcheur et authenticité dans sa représentation de la nature. Les critiques d'art comparaient leurs peintures à un choc entre « le feu et l'eau ».