Le Kirchner Museum de Davos accueille durant plusieurs mois la collection particulière de Rolf et Bettina Horn, consacrée depuis plus de 60 ans au mouvement expressionniste allemand. Cette grande exposition regroupant quelque 120 tableaux, gravures et dessins présente l'esthétique et la philosophie d'ensemble de ce mouvement crucial dans la peinture moderne et qui a pour grands noms Ernst Ludwig Kirchner, Max Pechstein, Otto Mueller ainsi que Käthe Kollwitz et Alexej von Jawlensky.

Cette exposition de la Tate Britain présente le cercle d'artistes, modèles et muses qui s'est développé autour de la figure majeure de l'art britannique au XIXème siècle, Dante Gabriel Rossetti (1828-1882). Avec la présentation de tableaux, dessins, lettres et photographies, la figure féminine est mise à l'honneur, dans l'entourage proche du peintre : sa fille Christina Rossetti, son épouse Elizabeth Siddal et les autres inspiratrices, Fanny Cornforth et Jane Morris.

Cette exposition constitue également la première rétrospective consacrée à Dante Gabriel Rossetti en Angleterre depuis plus de 20 ans.

Dans la lignée des récentes expositions consacrées à des artistes ayant séjourné au Havre et en Normandie (Pissarro dans les ports en 2013, Raoul Dufy au Havre en 2019), le MuMa se penche sur l’oeuvre normande d'Albert Marquet (187-1947), occasion de s’interroger, à l’aune des précédentes, sur la question de la série ou encore celle du point de vue chez ces artistes. L’exposition « Marquet en Normandie » présentera environ 60 peintures et dessins issus de prestigieuses collections publiques et privées, françaises et étrangères, pour la première fois réunies. Ces oeuvres dialogueront au MuMa avec celles de ses amis, Dufy, Matisse, Friesz, Camoin, Valtat…

Avec l’avènement de la monarchie de Juillet (1830-1848), Ingres trouve notamment dans la famille d’Orléans un soutien de poids lui permettant de réaliser parmi ses plus grands chefs-d’œuvre. Ce sont ces liens étroits qui formeront le cœur de l’exposition événement de Chantilly : comment le prince des artistes devient l’artiste des princes.

Provenant de collections nationales et internationales, tableaux et dessins commandés ou collectionnés par les princes d’Orléans seront réunis à Chantilly, aux côtés de leurs études et leurs variantes. Ils permettront de comprendre le travail perfectionniste et méthodique de l’un des plus grands peintres français. Des analyses nouvelles sur quelques-uns des plus importants chefs-d’œuvre de l’artiste, mais aussi des œuvres inédites ou retrouvées, viendront éclairer d’un jour nouveau la personnalité unique de l’une des grandes figures de l’histoire de l’art.

Le départements des Arts graphiques (Kupferstich-Kabinett) des collections nationales de Dresde consacre sa nouvelle présentation à l'importance du voyage dans le développement de l'histoire de l'art, depuis la Renaissance jusqu'au XIXème siècle. Avec un ensemble d'une centaine d'œuvres l'exposition "Connecting Worlds. Artists & Travel" permet de mieux comprendre les raisons pour lesquelles certains artistes voyageaient (et d'autres, non) mais également ce qu'ils emportaient avec eux, avec qui ils voyageaient et surtout par quels moyens ils gardaient le souvenir de ces voyages.

Parmi les artistes présentés, nous pouvons citer notamment Albrecht Dürer, Hans Holbein, Brueghel l'Ancien, Maria Sibylla Merian et Angelika Kauffmann, pour qui voyager à permis de faire s'épanouir leur créativité, leurs horizons intellectuels ainsi que leurs réseaux d'amitiés.

Cette année, l’Hôtel de Caumont-Centre d’art consacre son exposition d’été à Max Ernst (1891-1976). À travers près de 120 œuvres, cette exposition revient sur les traces de cette personnalité libre et singulière, et met notamment à l’honneur le lien étroit qu’il entretenait avec la nature, le jeu, la magie et la liberté. L'occasion de comprendre et de voir à quel point son œuvre est nourrie de philosophie, de psychanalyse, de science, d’alchimie, de l'histoire de l’art, de littérature et de poésie.

En été 2023, la Fondation de l’Hermitage revisite l’œuvre d’Édouard Vuillard (1868-1940) sous l’angle du japonisme. Grand collectionneur d’estampes ukiyo-e, Vuillard a trouvé dans ces créations des formats inédits, une radicalité de composition et de cadrage, et des motifs singuliers qui ont profondément nourri son langage esthétique. Réalisées entre les années 1890 et la Première Guerre mondiale, une centaine de peintures et de gravures de l’artiste dialogueront avec une cinquantaine de chefs-d’œuvre de l'art japonais.

Cette grande exposition s’articule autour des genres picturaux pratiqués par Vuillard – scènes d’intérieurs et paysages – revisités sous le prisme de l’esthétique japonaise, pour révéler l’assimilation très personnelle qu’en livre l’artiste. S’ajoute au parcours un ensemble de tableaux des amis nabis de Vuillard, tous imprégnés par l’art japonais : Pierre Bonnard, Maurice Denis, Paul Élie Ranson et Félix Vallotton.

Le musée Granet d'Aix-en-Provence présente dans cette exposition la quasi-intégralité des toiles rassemblées par deux autres collectionneurs passionnés : l'industriel Giuseppe De Vito et son épouse Margaret. Ces œuvres de (ou attribuées à) Bernardo Cavallino, Massimo Stanzione, Luca Giordano et bien d'autres grands maîtres du Seicento napolitain appartiennent aujourd'hui à la Fondazione De Vito, inaugurée en 2011 non loin de Fiesole.

Aux côtés des sujets religieux, quelques scènes de batailles et natures mortes composent, selon les mots de Pierre Rosenberg, un « joyeux mélange d'œuvres de qualité variable, de découvertes parfois heureuses, parfois décevantes, de coups de cœur, de hasards de Drouot, d'opportunités du marché, de véritables trouvailles et parfois d'œuvres dignes des plus grands musées ».

Avec un ensemble de 60 peintures, 20 dessins et 2 sculptures, cette exposition est consacrée à la période baroque dans les collections du musée national du Danemark. Tout pour explorer et exprimer la sensualité et les vives émotions qui animaient les artistes et les amateurs d'art dans l'Europe des XVIIe et XVIIIe siècles.

Le musée de l’Annonciade à Saint Tropez présente une exposition monographique sur Henri-Edmond Cross, dans la lumière du Var « le plus beau pays du monde », l’occasion de plonger dans l’univers d’un des maîtres du néo-impressionnisme.

L’ambition de l’exposition est d’explorer les liens de l’artiste avec le territoire. Les publics pourront ainsi découvrir une trentaine d’œuvres, peintes et datées exclusivement de la période néo-impressionniste, qui s’inspirent directement des paysages varois et de leurs jeux de couleurs et de lumières. Henri-Edmond Cross a été l’un des premiers peintres du Nord à s’installer dans le département en 1891, et l’exposition permettra d’apprécier l’évolution stylistique du peintre entre 1891 et 1910.

A l'approche du 250ème anniversaire de la naissance de Caspar David Friedrich (1774-1840), cette exposition met en lumière l'influence qu'a pu avoir la tradition picturale du paysage des XVIIe et XVIIIe siècles sur l'art du maître du romantisme allemand. C'est en montrant la tradition dont il a héritée que l'on peut mieux comprendre l'innovation qu'a représentée sa peinture et sa sensibilité dans la première moitié du XIXe siècle. Aux grands noms de Jacob van Ruisdael et de Claude Lorrain s'ajoutera notamment celui d'Adrian Zingg (1734-1816), plus méconnu, dont les vastes paysages de la Suisse saxonne ont sans aucun doute inspiré Friedrich dans son travail.

Le Palazzo Ducale de Mantoue accueillera l'exposition "Rubens : Le retable de la Sainte Trinité", centrée sur l'une des entreprises les plus impressionnantes de l'artiste : le cycle des trois compositions monumentales pour l'église de la Sainte Trinité, dont l'une - après d'incroyables vicissitudes - est toujours exposée au Palais des Doges et constitue une étape fondamentale dans le parcours cognitif de ce grand maître. Rubens consolide ses liens avec Mantoue lorsqu'il arrive en 1600, jeune peintre prometteur, à la cour de l'une des plus grandes familles italiennes : les Gonzague. Il en repartira une dizaine d'années plus tard, à la trentaine, avec la réputation d'un maître incontesté.

Le projet d'exposition présente un nouvel aménagement muséographique et lumineux de l'ensemble de l'appartement ducal, commandé par Vincenzo Ier et réalisé par Antonio Maria Viani : les œuvres de la collection permanente - de la fin du XVIe siècle à la fin du XVIIe siècle - y sont exposées. Le point central du parcours sera la Sala degli Arcieri, où sera exposé le retable, dont l'histoire est racontée par une reconstitution tridimensionnelle innovante de l'église de la Sainte-Trinité, aujourd'hui inaccessible au public.

Entre octobre 2023 et février 2024, la Fondazione Palazzo Te, le Palazzo Ducale de Mantoue et la Galleria Borghese de Rome unissent leurs forces dans un projet ambitieux qui rend hommage au maître Rubens (1577 - 1640), qui s'est profondément inspiré de la culture classique, laissant une marque profonde et indélébile sur les cours italiennes et européennes.

A Mantoue, l'exposition "Rubens au Palazzo Te : Peinture, transformation et liberté" se concentrera en particulier sur la relation entre le peintre flamand et la culture mythologique qu'il a rencontrée en Italie. L'exposition vise à créer une correspondance entre les œuvres, les motifs décoratifs et iconographiques du Palazzo Te : un itinéraire paradigmatique qui démontre comment les suggestions de la Renaissance absorbées et élaborées par Rubens dans ses années mantouanes et italiennes ont continué, en évoluant, à être présentes dans les peintures de sa maturité, jusqu'à être transmises dans l'héritage intellectuel et artistique légué à ses élèves. Les œuvres de l'exposition ont donc été choisies en fonction du dialogue qu'elles établissent avec les mythes et de l'interprétation qu'en a fait Giulio Romano (1499-1546) dans les différentes salles, éléments qui ont contribué à créer chez Rubens un lien permanent avec la Renaissance et les mythes.

Grâce à la réunion de plusieurs œuvres du musée Capodimonte au cœur des salles du Louvre, cette grande exposition offrira un aperçu unique et inédit de la peinture italienne du 15e au 17e siècle. Trente-trois tableaux venus de Naples, signés des plus grands noms de la peinture italienne, viendront dialoguer avec les collections du Louvre (Titien, Caravage, Greco, Carrache, Guido Reni pour n’en citer que quelques-uns), ou bien les compléter en permettant la présentation d’écoles peu ou pas représentées – notamment la singulière école napolitaine, avec des artistes à la puissance dramatique et expressive tels que Jusepe de Ribera, Francesco Guarino ou Mattia Preti.

Puisque Capodimonte abrite le deuxième cabinet de dessins d’Italie après celui des Offices, cette exposition incluera également une présentation de quelques-unes des plus belles feuilles du musée ainsi que des cartons de grands décors, dessinés par les plus grands maîtres du dessin italien, soit Raphaël et Michel-Ange.

Le Petit Palais met à l’honneur son riche cabinet d’arts graphiques à travers une sélection de près de 200 feuilles des grands maîtres de l’estampe comme Dürer, Rembrandt, Callot, Goya, Toulouse-Lautrec, entre autres... L’estampe tient une place prépondérante dans la collection du Petit Palais. Elle est le reflet du goût de ses illustres donateurs, les frères Auguste et Eugène Dutuit et du conservateur Henry Lapauze, à l’origine d’un musée de l’Estampe moderne créé en 1908 au sein même du Petit Palais. En suivant le fil de l’histoire des collections, l’exposition permet à travers ses plus beaux trésors de découvrir un panorama inédit de l’estampe du XVe au XXe siècle.

Au XVIIe s., le genre allégorique imprègne les arts et la littérature de toute l'Europe via un ouvrage venu d'Italie, l’Iconologia de Cesare Ripa, publiée à Rome en 1593.
Elle sera d'une grande importance dans la France du Grand Siècle.
L'exposition en présente les sources, la mise en œuvre par les artistes, puis l'évolution.

Cette exposition thématique consacrée à Pablo Picasso (1881-1973) mettra en valeur la façon dont son œuvre est profondément influencé par certains motifs et sujets religieux. La première partie montrera la façon dont Picasso s'est imprégné de l'imagerie religieuse, notamment dans la tradition du portrait, pour la transformer en une véritable galerie de figures presque sauvages, douteuses et profanes. La seconde partie sera consacrée à une dimension plus intime, avec des natures mortes et des portraits autour du thème de la mère à l'enfant. Une troisième section montrera la façon dont le thème et l'imagerie de la Passion ont pu inspirer certaines scènes de corrida ainsi que les portraits de femmes intenses et dramatiques peints dans les années 1930.

Près d’un siècle après la rencontre entre les deux hommes en 1914, cette exposition se propose de revenir sur l’un des moments emblématiques de la vie d’Amedeo Modigliani, celui où Paul Guillaume devient son marchand. Elle s’attachera à explorer la manière dont les liens entre les deux personnages peuvent éclairer la carrière de l’artiste.

Première grande exposition après la grande réouverture du musée, celle ci se se concentre sur le développement d'un nouveau genre, l'étude de tête.
L'intérêt pour le tronie , le vieux mot néerlandais signifiant « visage », a pris un essor au XVIIe siècle, lorsque des artistes comme Rubens, Rembrandt et Vermeer ont mis leur talent à peindre le visage humain. Les résultats sont souvent petits, mais éblouissants peints, dessinés ou gravés : des œuvres intimes qui nous rapprochent plus que jamais de l'artiste. Jamais auparavant le genre n’avait été couvert de manière aussi complète. Turning Heads au KMSKA rassemble pas moins de 76 chefs-d'œuvre parmi les plus éloquents des collections belges et internationales.

En collaboration avec le Musée d’Art moderne de Paris, Paris Musées, la Fondation Pierre Gianadda a le privilège d’exposer plus d’une centaine d’oeuvres provenant aussi de musées français tels le Musée national d’art moderne Centre Pompidou, le Musée Paul Dini, ou celui des Beaux-Arts de Bordeaux et de collections privées. Des peintures, sculptures et céramiques toutes emblématiques des années fauves vont parer les cimaises de la Fondation de couleurs flamboyantes.

Cette exposition événement consacrée au maître hollandais Frans Hals (1582-1666), l'un des peintres les plus célèbres de sa génération, est la première de cette envergure depuis plus de 30 ans. Essentiellement connu pour ses portraits d'un style nouveau en son temps, montrant ses modèles dans des poses plus naturelles et montrant davantage d'émotions, cette exposition sera l'occasion de découvrir l'ensemble de ses talents, réunissant près de 50 tableaux et notamment son chef-d'oeuvre incontesté, prêté ici pour la première fois par la Wallace Collection de Londres : "le Cavalier riant" (1624).

Autour des deux  artistes les plus novateurs et radicaux de ce mouvement, Matisse et Derain, la grande exposition du Kunstmuseum de Bâle sera consacrée au Fauvisme, véritablement le premier courant d’avant-garde du XXe siècle. Les artistes les plus iconoclastes de cette période seront réunis, parmi lesquels Georges Braque, Raoul Dufy et Kees van Dongen, entre autres. Certaines figures féminines importantes seront également mises en lumière, notamment les peintres Émilie Charmy et Marie Laurencin, et, de manière inédite, l'exposition expliquera le rôle primordial qu’a tenu la galeriste Berthe Weill dans le commerce des œuvres fauves.

Le château de Versailles et le musée des Beaux-Arts de Rennes s'associent en 2023 et 2024 pour célébrer Noël Coypel (1628-1707), qui œuvra aux décors versaillais sous la houlette de Charles Le Brun et sur le chantier du parlement de Bretagne. Père et grand-père de peintres reconnus, célèbre et respecté en son temps, présent sur tous les chantiers royaux du règne de Louis XIV, jamais l’artiste n’avait encore bénéficié d’une exposition monographique alors même qu’une large part de son oeuvre a été restaurée au cours des vingt dernières années. Ses talents de décorateur seront particulièrement à l’honneur à Versailles où l’une de ses plus belles réalisations est toujours en place.

Précisions à suivre

L'exposition est consacrée aux innovations révolutionnaires de la peinture vénitienne de la Renaissance, dont les effets durables ont continué à résonner jusque dans le modernisme européen. Il présente 15 chefs-d'œuvre de la collection munichoise et environ 70 prêts internationaux, en se concentrant sur des portraits et des paysages de la première moitié du XVIe siècle comme exemples les plus éloquents des caractéristiques et des réalisations de l'école vénitienne florissante

À travers une vaste sélection d'œuvres particulièrement significatives provenant de collections italiennes et internationales, l'exposition rétrospective du Palazzo Reale, réalisée avec la collaboration scientifique du Museo Morandi de Bologne, mettra en évidence le processus mental et l'itinéraire créatif de Morandi, en offrant au public la possibilité de comprendre la profondeur de sa peinture, le pouvoir énigmatique de ses toiles et, en accord avec l'objectif de recherche qu'il s'est fixé, sa capacité à "toucher le fond, l'essence des choses".

Cette exposition sera la première consacrée aux œuvres produites par Vincent van Gogh (1853-1890) durant les deux derniers mois de sa vie, à Auvers-sur-Oise, près de Paris. L’exposition constitue l’aboutissement d’années de recherches sur cette phase cruciale de la vie de l’artiste, et permettra au public de l’apprécier enfin à sa juste dimension.

Précisions à suivre

Botticelli Drawings est la première exposition jamais consacrée aux dessins de l'artiste de la Renaissance Sandro Botticelli (vers 1445 – 1510). Explorant le rôle fondamental joué par le dessin dans l'œuvre de Botticelli, l'exposition retrace son parcours artistique, depuis ses études auprès de Fra Filippo Lippi (vers 1406 – 1469) jusqu'à la direction de son propre atelier à Florence. Présentant des œuvres rarement vues et nouvellement attribuées, l'exposition donne un aperçu de la pratique du dessin d'un artiste dont le nom est synonyme de la Renaissance italienne. 

En environ 130 tableaux et œuvres sur papier, l’exposition retracera le parcours de Suzanne Valadon : elle soulignera l’originalité de son œuvre tout en la resituant au sein d’une histoire de l’art qui a fait peu de cas de cette artiste audacieuse refusant d’être assignée à un mouvement. Ce regard historique porté sur l’artiste et son travail sera complété d’importants éléments de contextualisation sur ce que signifiait être femme et artiste au début du 20e siècle.

Le Kunstverein de Brême fête son 200e anniversaire avec des chefs-d'œuvre de la peinture française. L'accent est mis sur une période particulièrement faste du début du XXe siècle, lorsque le directeur de la Kunsthalle, Gustav Pauli, en a fait l'un des principaux musées d'art moderne d'Allemagne. Il a été soutenu par de grands collectionneurs de Brême qui seront reconnus pour la première fois.

Dans cette exposition entièrement consacrée aux arts graphiques, le musée Plantin-Moretus présente les 80 plus beaux dessins de maîtres anciens des XVI et XVIIe siècles issus des collections flamandes. Plusieurs n'ont jamais été montrés au public auparavant, notamment le Panorama de Zélande, mesurant près de 10 mètres de long, créé par Antoon van den Wijngaerde (1525-1571), ainsi que les rarissimes carnets de croquis italiens du sculpteur Pieter Verbruggen (1615-1686) et un dessin d'illustration récemment découvert, réalisé par Rubens précisément pour la presse de la famille Plantin.

À partir de l’automne 2023, le château présentera plus de 250 œuvres, dessins (encre, fusain, aquarelle, gouache) gravures, albums issus des collections du château, tant du fonds des archives que du fonds d’arts graphiques. Ces œuvres, accompagnées de deux maquettes du château, mettront en lumière l’architecture du château au fil des siècles et constitueront un véritable portrait dessiné de la demeure des rois. L’exposition soulignera l’importance du dessin, ses conventions et les usages des documents produits (gestion du palais, délimitation cadastrale, projets de transformation ou de restauration, souvenir, illustration…).

Foyer de création, Fontainebleau devient une référence pour les artistes au XIXe siècle. Architectes, peintres, dessinateurs et sculpteurs, parmi lesquels Delacroix, s’attachent au motif. Mais au delà de l’étude, le château passe de sujet à acteur, servant la scénographie des grands événements de la monarchie française ou du Premier et Second Empires, depuis le baptême de Louis XIII, les cérémonies de l’Ordre du Saint-Esprit, l’abdication de Napoléon Ier, les réceptions des princesses… sans oublier la chasse, les feux d’artifices et le théâtre, dont plusieurs dessins conservent le souvenir.

Avec Albrecht Dürer, Hans Holbein l'Ancien et Hans Burgkmair l'Ancien sont considérés comme les pionniers d'un nouvel art : précisément, la peinture de la Renaissance. Le centre de cet art était la métropole impériale et commerciale d'Augsbourg, qui devint en quelques décennies la capitale de la Renaissance allemande et internationale. Avec les œuvres de Hans Holbein le Jeune, l'art d'Augsbourg est enfin connu dans toute l'Europe. À partir de cet automne, le Städel Museum consacre une grande exposition à ce tournant de l'histoire de l'art, réunissant des prêts exceptionnels des plus grands musées européens. Pour la première fois depuis plus de dix ans, l'œuvre majeure de Hans Holbein le Jeune, la "Madone de Jakob Meyer zum Hasen" (1526-1528, collection Würth, Künzelsau), sera exposée de nouveau à Francfort.

La Galerie Borghèse accueillera l'exposition "Pygmalion's touch. Rubens et la sculpture à Rome" consacrée à la façon dont les influences du voyage de Rubens en Italie dans la première décennie du XVIIe siècle prennent une nouvelle vigueur décisive dans les années qui suivent le retour dans sa patrie, grâce aussi aux séjours en Italie de ses élèves flamands. Le projet vise à souligner l'extraordinaire contribution de l'artiste, au véritable début du baroque, à une nouvelle conception de l'antique, du naturel et de l'imitation, en se concentrant sur la nouveauté perturbatrice de son style dans sa première décennie à Rome et sur la façon dont l'étude des modèles peut être comprise comme un nouvel élan vers un nouveau monde d'images.

Le site exceptionnel de la Galleria Borghese offre également une opportunité sans précédent de voir les grands groupes du Bernin, la statuaire antique et d'autres sculptures modernes, en relation directe avec les peintures et les dessins de Rubens, capturant l'énergie avec laquelle l'artiste a questionnée et reproduit les chefs-d'œuvre de l'antiquité.

Après la Tate Modern de Londres, le Kunstmuseum de La Haye présente cette grande exposition mettant en parallèle les rapports à l'abstraction qu'ont développés, sans jamais se rencontrer, deux grandes figures du début du XXème siècle, la peintre suédoise Hilma af Klint (1862-1944) et le hollandais Piet Mondrian (1872-1944). Au moment où le progès scientifique a permis une étude toujours plus précise de la nature, la relation entre ces peintres et le monde naturel, voire spirituel, a évolué vers l'abstraction. Six thèmes principaux jalonneront le parcours de l'exposition : la peinture de paysages, l'évolution, les fleurs, les arbres, l'univers et la relation à l'espace.

Le Palazzo Reale de Milan accueille l'exposition ''Goya. La rébellion de la raison'', une occasion importante de découvrir l'ensemble de la carrière artistique du maître espagnol qui s'est développée sur une longue période historique, saturée de changements et d'événements politiques, sociaux et idéologiques qui ont donné naissance à une nouvelle ère de l'Histoire. Goya a vécu la fin de l'Ancien Régime, l'époque des Lumières et de la Révolution française, les guerres napoléoniennes, la restauration absolutiste et l'exil.

L'artiste ne s'est pas contenté de représenter cette époque mouvementée : il a lui-même vécu une révolution picturale en phase avec la complexité historique qu'il a vécue, un changement qu'il a exprimé par l'image. À travers les sept sections thématiques de l'exposition, il sera possible de découvrir comment l'artiste a su transformer la peinture en un langage révolutionnaire, capable de rompre aussi bien avec les règles et les systèmes plastiques établis qu'avec l'imitation des modèles. La peinture des années de maturité de Goya est une peinture sans modèle, c'est l'expression intime et inédite d'un artiste qui crée de l'art tout en le révolutionnant avec un nouveau langage.

Le musée Marmottan Monet présente l’exposition « Berthe Morisot et le XVIIIe siècle. Watteau, Boucher, Fragonard, Perronneau ».
Si l’impressionniste Berthe Morisot (1841-1895) a toujours été une peintre de la vie moderne, son art a, de son vivant, souvent été comparé au travail des artistes français du XVIIIe siècle, poussant Renoir à la qualifier de « dernière artiste élégante et «féminine» que nous ayons eu depuis Fragonard ». En parcourant sa rétrospective posthume de 1896, Paul Girard commenta ainsi « C’est le XVIIIe siècle modernisé ». L’exposition se propose de rechercher l’origine de cette inspiration, de montrer, à l’appui d’œuvres du XVIIIe siècle, confrontées à ses propres œuvres emblématiques de l’Impressionnisme, les manifestations et la forme de son imprégnation et de sa compréhension du génie du siècle des Lumières.

Le Polyptyque possède une huile sur toile de cette artiste, intitulée Rivière au Bois de Boulogne (1886).

Rassemblant les œuvres sur papier des plus grands noms de l'Impressionnisme et du Post-Impressionnisme (Degas, Cézanne, Renoir, Van Gogh, parmi d'autres), cette exposition permettra de découvrir la façon dont le dessin est véritablement devenu un art à part entière à cette époque, ouvrant de nouvelles perspectives qui ont mené notamment vers l'Expressionnisme abstrait.

La Hamburger Kunsthalle expose certaines des plus belles œuvres provenant de deux collections privées hambourgeoises consacrées à l'art du XIXe siècle et qui se complètent idéalement. Une centaine de dessins, d'aquarelles, de pastels et de petits tableaux - dont plusieurs études à l'huile - datant de la fin du XVIIIe siècle au début du XXe siècle seront exposés avec, notamment, des artistes tels que Carl Gustav Carus, Johan Christian Dahl, Simon Denis, François-Marius Granet, Giovanni Domenico Tiepolo, Pierre-Henri de Valenciennes ainsi que Berthe Morisot et Edouard Vuillard.

Avec dans ses collections deux des chefs-d'œuvre incontestés de cet artiste, la National Gallery de Londres se fait un honneur d'organiser la première exposition rétrospective consacrée à Francesco Pesellino (c.1422–1457), peintre très demandé en son temps par la cour de Florence, bien que mort à seulement 35 ans. Entre l'inspiration qu'il trouva chez Fra Angelico (1395-1455) et l'influence de son maître, Fra Filippo Lipi (1406-1469), Pesellino mérite d'être étudié de plus près afin de mettre en lumière son propre style et de préciser le corpus de ses œuvres, grâce à des prêts d'autres institutions.

L'exposition que présente le Lenbachhaus à Joseph Mallord William Turner (1775-1851) s'incrit dans le programme du musée de montrer les origines et l'évolution de l'abstraction au fil des siècles. En partenariat avec la Tate Britain, qui conserve une grande partie de l'héritage de Turner, cette rétrospective de près de 40 tableaux et d'une quarantaine d'aquarelles et esquisses permettra également de saisir la façon dont Turner a lui-même façonné le mythe autour de sa peinture, que ce soit lors d'événements publics ou bien dans le secret de son atelier.

Cette exposition présentera une centaine de peintures et d'œuvres sur papier par Amedeo Modigliani (1884-1920) en les rapprochant d'œuvres de son entourage à Paris ainsi que de Gustav Klimt, Egon Schiele et Wilhelm Lehmbruck. Des parallèles étonnants deviennent visibles, ainsi que la nature exceptionnelle de l'art de Modigliani. L'exposition aura lieu en collaboration avec le Musée Barberini, où elle sera ensuite présentée du 26 avril 2024 au 18 août 2024.

A l'occasion du 250ème anniversaire de la naissance du peintre allemand Caspar David Friedrich (1774 - 1840), cette exposition rétrospective sera consacrée au thème de la relation entre l'homme et la nature au sein de ses paysages. Avec un ensemble de plus de 50 tableaux, quelque 90 dessins ainsi qu'une évocation d'artistes amis ou disciples du maître, l'exposition de la Kunsthalle sera l'une des trois étapes d'un grand festival autour de Friedrich, qui aura lieu également à la Alte Nationalgalerie de Berlin et au Staatliche Kunstsammlungen de Dresde.

Après « Paris Romantique (1815-1858) » et « Paris 1900, la Ville spectacle », le Petit Palais consacre le dernier volet de sa trilogie au « Paris de la modernité ».

Tout au long du premier quart du XXe siècle, Paris continue plus que jamais d’attirer les artistes venus du monde entier et constitue le foyer d’un formidable rayonnement culturel. Paris est au cœur de l’innovation et de « ce qui se fait ». L’exposition illustrera comment Paris a réussi une fois de plus à maintenir cette position dans les premières décennies du XXe siècle en dépit de la recomposition de l’échiquier international.

À travers la mode, le cinéma, la photographie, la peinture, la sculpture, le dessin, mais aussi la danse, le design, l’architecture et l’industrie incarnant cette modernité à l’œuvre, l’exposition donne ainsi à vivre et voir la folle créativité de ces 1905-1925 ; période où Paris brille d’une aura artistique et culturelle, qui continue aujourd’hui de nous éblouir.

Pour la première fois, le Kunsthistorisches Museum de Vienne consacre une exposition à Rembrandt et a choisi de présenter le maître du point de vue de son important élève Samuel van Hoogstraten (1627-1678). Dans ses propres écrits, Van Hoogstraten revient sur sa période d'élève dans l'atelier de Rembrandt et nous donne un aperçu unique de l'œuvre du maître, des pratiques de l'atelier, des méthodes de formation et de la théorie de l'art.

L'exposition offre de nouvelles perspectives sur l'œuvre de Rembrandt, en explorant les thèmes, les compositions et les caractéristiques de manipulation du maître du point de vue de la critique d'art contemporaine. Elle présente également, pour la première fois dans ce contexte, le travail de Samuel van Hoogstraten, l'élève éclectique de Rembrandt.

Au musée de la Maison Rembrandt, des peintures, dessins, gravures et livres raconteront l'histoire de la vie et de l'œuvre de Samuel van Hoogstraten, dans une présentation mixte. L'exposition s'ouvrira sur le jeune Van Hoogstraten, qui débute sous la direction de son père à La Haye, découvre l'enseignement de Rembrandt et s'imprègne des leçons esthétiques et théoriques du maître jusqu'à formuler sa propre vision de l'art de peindre.