Cette exposition qui rassemble plus de 70 œuvres provenant de plus de 25 musées internationaux et collections privées, donne un aperçu du développement de l'impressionnisme allemand et en particulier du rôle moteur de Max Liebermann dans ce mouvement.
On retrouve des oeuvres de Max Slevogt, Lovis Corinth et Fritz von Uhde et bien sur une vaste sélection d'oeuvres de Liebermann dont son célèbre jardin de fleurs au Wannsee.

La Fondation Beyeler consacre pour la première fois de son histoire une rétrospective à Paul Cézanne.Elle présente une cinquantaine de peintures à l'huile et d'aquarelles et se concentre sur la phase finale et la plus significative de son œuvre. 
Elle est axée autour des thématiques majeures qui structurent son œuvre tardive — la nature morte, le portrait, le paysage ainsi que les scènes de baigneurs et de baigneuses — tout en soulignant la contribution fondamentale de Cézanne à une redéfinition des rapports entre forme, lumière et couleur.

La collection Scharf est l'une des plus importantes collections d'art privées d'Allemagne et elle est présentée pour la première fois au public à l'occasion de cette exposition. Elle présente une sélection de quelque 150 oeuvres, dont des œuvres majeures d'Auguste Renoir, Pierre Bonnard, Edgar Degas et Claude Monet mais on y retrouve également des œuvres des premiers modernistes comme Goya jusqu'à des artistes contemporains comme Sam Francis et Katharina Grosse.

L’exposition Bellezza e Bruttezza  explore la manière dont les artistes de la fin du XVe siècle à la fin du XVIe siècle, de l’Italie à l’Europe du Nord, ont représenté deux extrêmes, la beauté et la laideur, montant comment elles se complètent, se contredisent et parfois même s’entremêlent. Y figurent des œuvres remarquables d’artistes renommés tels que Botticelli, Titien, Tintoretto, Cranach l’Ancien, Massys entre autres

Pour la première fois les collections d’arts graphiques du XVII° siècle italien du musée Condé sont exposées dans leur intégralité au cabinet d’arts graphiques du Musée Condé. Mais près de la moitié des oeuvres présentées seront empruntées à différentes institutions ou collections privées, afin de reconstituer plusieurs ensembles et d’illustrer de récentes redécouvertes. En effet, plusieurs dessins acquis comme appartenant aux écoles française ou flamande se sont avérés l’oeuvre d’Italiens influencés par les étrangers séjournant dans la péninsule au XVIIe siècle. Van Dyck a fait place à Giovanni Benedetto Castiglione, Poussin à Giacinto Gimignani ou encore Le Lorrain à Filippo Napoletano

Cette exposition est l'occasion de présenter après leur la restauration, un certain nombre de chefs-d'œuvre de Fra Angelico et pour la première fois le réassemblage de plusieurs des grands retables du maitre dispersés dans des musées d'Europe et d'Amérique du Nord.
Cela est rendu possible par des prêts exceptionnels d'institutions comme le Louvre à Paris, la Gemäldegalerie de Berlin, le Rijksmuseum d'Amsterdam, le château de Windsor, les musées du Vatican, le Metropolitan Museum of Art de New York la Gallery of Art de Washington et le Philadelphia Museum of Art. L'exposition permet également d'explorer la production, le développement et l'influence de l'art de Fra Angelico en dialogue avec des peintres comme Lorenzo Monaco, Masaccio, Filippo Lippi, Jan van Eyck et Lorenzo Monaco, ainsi qu'avec des sculpteurs comme Lorenzo Ghiberti, Michelozzo et Luca della Robbia.

L'exposition Femmes artistes d'Anvers à Amsterdam, 1600-1750 présente un large éventail d'œuvres de plus de quarante artistes néerlandaises et flamandes, parmi lesquelles Judith Leyster, Alida Withoos, Clara Peeters, Johanna Koerten-Block, Rachel Ruysch, Geertruydt Roghman, Anna Maria van Schurman, Maria Faydherbe, Margareta de Heer, Johanna Vergouwen, Josina Margareta Weenix ou Maria Sybilla Merian. Elle montre que les femmes ont joué un rôle crucial dans la vie artistique des anciens Pays-Bas entre 1600 et 1750. Il s'agit ainsi de contribure à l’écriture d’un récit plus complet de l’histoire de l’art des anciens Pays-Bas.

A l'occasion du centenaire de sa disparition de Félix Vallotton, le Musée Cantonnal des Beaux Arts de Lausanne qui conserve la plus grande collection au monde d’œuvres de l’artiste s'associe à la Fondation Félix Vallotton pour organiser une importante.
L'exposition rassemble quelque 200 œuvres parmi les plus importantes de Vallotton dans les collections publiques et privées, en Suisse et en Europe.

L'exposition réunit les tableaux les plus importants d'un artiste inconnu mais très talentueux du XVIIe siècle, connu sous le nom de Maître IS. Ce contemporain anonyme de Rembrandt peignait avec un souci du détail et une profondeur psychologique remarquable. Il signait ses tableaux avec les seules lettres IS et aurait vécu à Leyde. La plupart de ses œuvres, présentent des visages bruts, presque hyperréalistes, elles sont pour nombre d'entre elles présentées au public pour la première fois. Enfin elles sont mises en rapport avec les œuvres d'autres maîtres de Leyde, tels que Rembrandt, Jan Lievens et Gerrit Dou. 

Cette exposition organisée en collaboration avec le musée Kröller-Muller de Rotterdam présente l'ensemble de peintures néo-impressionnistes le plus complet au monde, réunis par Helene Kröller-Müller, l'une des premières grandes mécènes du XXe siècle. Collectées dans le but de les rendre accessibles au public, ces œuvres font désormais partie du Musée Kröller-Müller aux Pays-Bas, fondé par Helene Kröller-Muller.
L'exposition Harmonie radicale : les néo-impressionnistes d'Helene Kröller-Müller se concentrera sur la manière dont ce style est devenu l'un des tout premiers mouvements artistiques paneuropéens. Si radical que certains critiques de l'époque y ont vu le signe de la mort de la peinture, en raison de la nature méthodique de la production d'un tableau en points pointillistes réguliers de couleur pure, supprimant l'individualité d'un artiste généralement exprimée par ses coups de pinceau.

Cette rétrospective est  la première grande exposition européenne consacrée à James McNeill Whistler depuis trente ans. Elle réunit ses toiles les plus célèbres et des œuvres rarement, voire jamais, exposées. On y trouve des portraits, des dessins, des estampes et des créations d'une grande finesse, réalisés dès son adolescence, jusqu'à ses énigmatiques autoportraits de la fin de sa vie.

À l'occasion du 250e anniversaire de leur naissance, cette exposition historique explore les vies et les héritages étroitement liés de Turner et Constable. En effet ils étaient nés à un an d'intervalle :Turner en 1775 et Constable en 1776 et tous deux utilisaient l'art du paysage comme un moyen de refléter l'évolution du monde qui les entourait. Les deux peintres se disputaient le succès par des approches très différentes mais tout aussi audacieuses, ce qui donna lieu à une rivalité acharnée. Turner peignait des couchers de soleil flamboyants et des scènes sublimes de ses voyages, tandis que Constable revenait souvent à des représentations de quelques lieux qu'il aimait tant, s'efforçant d'apporter fraîcheur et authenticité dans sa représentation de la nature. Les critiques d'art comparaient leurs peintures à un choc entre « le feu et l'eau ».

Le musée des Beaux-Arts de Lyon, en partenariat avec le Städel Museum de Francfort, présente une exposition consacrée aux représentations d’Étretat. Elle prend en effet appui sur quatre œuvres majeures réalisées à Étretat, conservées par ces deux musées : deux "Vagues" de Gustave Courbet (1869-1870), ainsi que deux peintures de Claude Monet," Le Déjeuner" (1868-1869) et "Mer agitée à Étretat" (1883). En 1920 c'est Matisse qui fréquentera Etretat, mais de nombreux artistes sont passés par le lieu dont Eugène Le Poittevin, Johann Wilhelm Schirmer, Eugène Delacroix, Camille Corot et même Victor Hugo.

La collection d'Antoine Béal, collectionneur discret et passionné quitte pour la première fois,son appartement, afin d'être révélée au public dans son intégralité. Après un premier don au musée du Louvre il en a fait jusqu’à aujourd’hui quatorze autres, sous réserve d’usufruit, aux musées du Louvre, de Lyon, de Rennes, de Montpellier, d'Amiens, de Montargis, de Strasbourg et enfin d'Orléans. C’est dans ce musée où il a déjà offert trois tableaux, qu'il a chois de présenter sa collection à travers cette exposition.

Cette exposition est consacrée à l'art maniériste tel qu'il s’est développé au château de Fontainebleau et s’est ensuite diffusé en France sous l’impulsion de Rosso Fiorentino et Francesco Primatice. Elle présente une sélection d’une cinquantaine d’œuvres issues de l'exceptionnel fonds de dessins et d’estampes de l’École de Fontainebleau conservé aux Beaux-Arts de Paris.  
Les œuvres exposées évoquent la genèse des décors peints et sculptés du château de Fontainebleau, de la Galerie François Ier à la Galerie d’Ulysse, complétées par des estampes à l’eau-forte produites à Fontainebleau dans les années 1540. 

La Fondation Louis Vuitton a choisi de consacrer sa nouvelle exposition monographique à Gerhard Richter. Cette rétrospective inédite réunit 270 œuvres produites de 1962 à 2024. Y figurent peintures à l’huile, sculptures en acier et en verre, dessins au crayon et à l’encre, aquarelles et photographies peintes. Chaque section de l’exposition couvre environ une décennie et montre l’évolution de la production de l'artiste des premières peintures d’après photographies aux dernières abstractions.

Pour la première fois, une trentaine des tapis de la Grande Galerie du Louvre, commandés par Louis XIV à Charles Le Brun, seront présentés dans la nef du Grand Palais, faisant de cette exposition un événement unique. Mais qui ne durera que 7 jours !
A l'origine 92 tapis monumentaux ont été tissés entre 1668 et 1688 pour la Grande Galerie, longue de 442 mètres et reliant le Louvre aux Tuileries. Une prouesse artistique et technique jamais vue auparavant, c'est l'occasion unique de les admirer.

L’exposition Matisse.1941–1954 s'intéresse aux dernières années de la carrière de l'artiste, entre 1941 et 1954, et en particulier à la manière dont, à près de 80 ans, il se réinvente avec la pratique de la gouache découpée. L'exposition réunit plus de 230 œuvres, peintures, dessins, gouaches découpées, livres illustrés, textiles et vitraux, issues de la collection du Centre Pompidou et de prêts internationaux majeurs. On y retrouve la série des "Intérieurs de Vence" de 1947-1948, l’album "Jazz" ou encore les célèbres "Nus bleus".

Lla musique a joué un role essentiel dans la vie et l'art de Kandinsky. Le Musée de la musique-Philharmonie de Paris et le Centre Pompidou s’associent pour présenter près de 200 œuvres et objets afin d'évoquer cette place fondamentale occupée par la musique en particulier dans l’évolution de sa pratique artistique vers l’abstraction. On y retrouve des tableaux et dessins avec ses différents projets pour la scène, ses poèmes explorant le « son pur » des mots, mais encore l’Almanach du Blaue Reiter. En outre l'’exposition propose la recréation de plusieurs œuvres synesthésiques, comme le Salon de musique qu’il conçoit pour l’exposition d’architecture de Berlin en 1931.

Cette exposition invite à découvrir la carrière et la personnalité de Berthe Weil, figure marquante du marché de l'art du début du XX° siècle. Elle retrace ainsi la vie d’une galerie dans sa continuité et ses péripéties. Présentant une centaine d’oeuvres, peintures, sculptures, dessins, estampes et bijoux, elle évoque les expositions que Berthe Weill organisa. On retrouve des oeuvres de Pablo Picasso, Henri Matisse, Diego Rivera, Amedeo Modigliani  mais aussi  de même qu'à la galerie Berthe Weill à l'époque, celles d'artistes beaucoup moins connus comme Emilie Charmy, Pierre Girieud ou Otto Freundlich.

A travers la présentation de la collection réunie depuis plus de 30 ans par Marek Roefler, collectionneur et fondateur du musée Villa la Fleur à Konstancin-Jeziorna (près de Varsovie) l'exposition présente une sélection d’œuvres emblématiques d’artistes de l’École de Paris. Ce terme, popularisé dès 1925 par le critique d’art André Warnod, désigne un phénomène unique dans l’histoire de l’art : l’afflux massif d’artistes étrangers à Paris entre 1900 et 1939, faisant de la capitale française le centre de la modernité artistique.  
On retrouve des artistes connus comme Ossip Zadkine, Tamara de Lempicka et Moïse Kisling, mais aussi d'autres moins familiers du grand public comme Henri Hayden, Eugène Zak, Henri Epstein, Mela Muter, Louis Marcoussis, Alice Halicka, ou encore les sculpteurs Auguste Zamoyski, Boleslas Biegas et Jozef Csaky.

C'est la première exposition consacrée à David depuis l’exposition de 1989 et le Louvre remet à l’honneur l'artiste à l'occasion du bicentenaire de sa mort en exil à Bruxelles en 1825. Selon les mots du commissaire de l'exposition, Sébastien Alllard « Regarder l’œuvre de David, c’est poser la question de l’engagement dans une société en pleine mutation ». L’ambition de cette exposition est donc de remettre en perspective le travail visionnaire de David. Elle presente des œuvres du Louvre en dépôt au château de Versailles et bénéficie de prêts exceptionnels de la part des Musées royaux des Beaux-Arts de Bruxelles.

Pour la première fois, le musée du Louvre présente la plus vaste collection au monde des dessins préparatoires d’Annibale Carracci, pour la Galerie Farnèse, de l’ébauche aux cartons monumentaux. Le musée est dépositaire de la collection royale française et possède aujourd’hui le plus important ensemble de ces dessins au monde avec la collection royale britannique, qui compte elle 25 œuvres qui sont prêtées à cette occasion par Sa Majesté le Roi. L’exposition dévoile aussi  les fragments subsistants - récemment restaurés - de la réplique de la galerie Farnèse commandée par Louis XIV pour le palais des Tuileries, aujourd’hui détruite.

Le musée Jacquemart-André propose la première rétrospective en France consacrée à Georges de La Tour depuis celle du Grand Palais en 1997 et réunit plus de trente d'oeuvres sur la quarantaine d'oeuvres connues de l'artiste. C'est évidemment le sujet de l'ombre et de la lumière qui est mis en avant pour présenter ce maitre du clair-obscur mais c'est surtout à une relecture de la carrière de Georges de La Tour que cette exposition invite en tentant d’éclairer les interrogations qui entourent encore son œuvre et son parcours.  

Cette exposition est consacrée à la représentation du sommeil en peinture et ses symboliques, en particulier dans des oeuvres des XIXe et XXe siècles. Elle rassembe 130 œuvres, réalisées entre 1800 et 1920, mises en perspective avec des créations de l’Antiquité, du Moyen Âge, des Temps Modernes et de l’époque contemporaine. Elles sont réparties en huit sections thématiques comme  « le sommeil de l’innocent », « le songe des récits bibliques », ou encore « l’ambivalence entre repos et repos éternel ». L'exposition a l'originalité d'être placée sous le double commissariat d'une neurologue et historienne des sciences, Laura Bossi et de la directrice des collections du musée Marmottan Monet, Sylvie Carlier.

À l’occasion du 300e anniversaire de la naissance de Greuze, cette exposition propose de redécouvrir son œuvre sous l'angle d’un thème central dans sa peinture : l’enfance. Cette question de l'enfant, de sa place et de son éducation était en effet une préoccupation nouvelle au XVIII° siècle en écho aux préoccupations des philosophes - Diderot, Rousseau ou Condorcet - et Greuze s'en est fait l'interprète privilégié. Cette exposition réunit une centaine de peintures, dessins et estampes issues de collections du monde entier et se propose comme une vraie redécouverte de l'oeuvre de cet artiste majeur.

Cette exposition est consacrée à la représentation de la licorne dans l'art et elle réunit près de 150 œuvres couvrant une période d'environ 4 000 ans, dont des peintures, des dessins, des estampes, des manuscrits enluminés, des sculptures et des tapisseries. Ce sont les plus grands musées européens qui ont consenti des prêts à cette occasion. On y trouve des œuvres d'artistes tels qu'Arnold Böcklin, Albrecht Dürer, Angela Hampel, Gustave Moreau, Joachim Sandrart et Marie Cécile Thijs.
Il est à noter qu'elle sera présentée au Musée de Cluny à Paris du 13 mars au 12 juillet 2026.

Cette exposition consacrée à Orazio Gentileschi, un des peintres italiens les plus importants du XVII° siècle s'organise autour du thème du voyaeg. Elle met en effet en dialogue le peintre avec les contextes figuratifs et les artistes qu'il a rencontrés, avec les figures des commanditaires et les exigences du marché.. Elle réunit plus de 40 chefs-d'œuvre provenant de musées internationaux, du Louvre au Prado en passant par la Pinacothèque du Vatican, dont certains n'ont jamais été exposés en Italie auparavant. 

Cette exposition met en lumière un personnage méconnu de l’Histoire de France faute de n’avoir pas régné : Louis, fils de Louis XIV, né en 1661 et appelé Monseigneur de son vivant, puis le Grand Dauphin à sa mort en 1711.Elle dresse son portrait en trois grandes étapes qui illustrent le célèbre résumé que Saint-Simon a fait de la vie du prince : «Fils de roi, père de roi, et jamais roi ».  Environ 250 œuvres, certaines inédites, provenant de collections publiques et privées, françaises et internationales, illustrant toutes les disciplines artistiques (peintures, sculptures, objets d’art, manuscrits et art graphiques...) sont présentées pour raconter l’histoire de ce prince.

Cette exposition exposition organisée au Belvédère réunit plus de soixante œuvres du musée Langmatt de Baden, près de Zurich Elle permet de mettre en lumière l'une des plus importantes collections privées d'impressionnisme français en Europe.
Le Belvédère a en effet été l'un des trois seuls musées internationaux sélectionnés pour exposer les trésors de Langmatt pendant la rénovation du musée suisse.
La collection du Musée Langmatt est remarquable, tant par sa constitution précoce que par le fait qu'elle reflète la personnalité des collectionneurs qui sont à son origine. Ils ont en effet commencé à constituer leur collection d'impressionnisme français en 1908, à une époque où des artistes comme Claude Monet, Camille Pissarro et Paul Gauguin n'étaient pas encore largement reconnus.